Al Blog

Roxo - Cor Rara - Purple - Rare Color

2012-01-23T13:57:00.001-02:00

Imperador - A4 - Aquarela - 2011

Houve um tempo na história da humanidade em que o mundo não era tão colorido. Ele não era preto e branco como se costuma brincar em rodas de conversa fazendo alusão a idade dos amigos mais antigos, mas também não tinha a diversidade de cores que vemos ao zapear a tv ou quando vamos em alguma loja comprar roupas. O que se tinha era o que a natureza oferecia. Lã e pele dos animais. Flores cozidas, mas tais cores desbotavam em contato com o sol e devido as lavagens. As cores vivas como azul, vermelho e roxo eram adquiridas através de complexos processos de extração e depois de aplicação aos tecidos disponíveis.

Na pintura acima vemos o imperador com seu manto. A cor roxa era muito cara e era reservada apenas para a realeza, como o imperador do império romano. Filmes como Benhur, de onde tirei esta imagem e Quo Vadis mostram os imperadores carregando seus majestosos mantos roxos. Tal cor tinha o nome de Roxo Tyriano, por que vinha do porto de Tyre, uma província da antiga Fenícia, atualmene neste território se encontra o Líbano, a Síria, a Palestina e Israel. Mas como se obta tal cor?

Essa cor vinha de um lesma marinha. Isso mesmo! Era necessário 12 mil lesminhas para se conseguir 1.4 gramas de pigmento puro. (GURNEY, Color and Light, 2010, pg. 90) . Felizmente hoje a situação é outra e graças aos avanços tecnológicos da química e dos meios de produção da revolução industrial. Não precisa ser rico para ter roupas coloridas, só para ter roupas de grife! :)

Coração dos Andes - Heart at the Andes

2011-12-20T21:19:00.003-02:00

Heart at the Andes - 168 x 302.9cm - óleo sobre tela - 1859

Ocorreu há pouco tempo no MET (Metropolitan Museum of Art) uma mostra com um trabalho de Frederic Edwin Church. A tela intitula-se Coração dos Andes. O cara foi uma figura importante no movimento Hudson River School (Escola do Rio Hudson). Elogiar o trabalho seria redundante. É necessário muito conhecimento técnico e sensibilidade para pintar uma paisagem com essa complexidade e tamanho (168x302,9cm). Segundo o próprio texto do site do MET: "Esta pintura foi inspirada na segunda viagem de Church a América do Sul na primavera de 1857. Em suas nove semanas de viagem ele esboçou prolificamente...Muitas aquarelas remanescentes e desenhos contém elementos achados neste trabalho...A pintura foi exposta em 27 de abril de 1859".

Temos um problema aqui...esta imagem não existe, ela é o resultado de uma complexa composição baseada em desenhos e estudos de cores de diversos locais, como diz a matéria que inspirou este tópico no site Lines and Colors de autoria de Charley Parker . Talvez a palavra impressionante fosse um elogio adequado, apesar de não ser o melhor, para este tipo de trabalho.

Mas o mais legal disso tudo é que o site disponibiliza a imagem em alta resolução para apreciarmos o trabalho do cara. Clique na palavra fullscreen para vê-la em tela cheia e depois que abrir a nova tela na seta voltada para baixo no canto a direita! Dão um ótimo papel de parede e serve de inspiração para os apaixonados por belas obras de arte. Logo abaixo em Relatad Posts na guia Artworks tem mais dois exemplos do trabalho do cara. O Mar Egeu e o Partenon. Vale a pena dar uma clicada nas imagens!
PS: Quando é que o MARGS vai colocar as imagens em alta resolução em seu site para agradar e atrair visitantes???

La Loba

2011-12-04T20:02:00.003-02:00

La Loba - A3 - Aquarela - 2011

O texto do livro Mulheres que correm com os lobos lido pela Professora Ana não me trouxe grandes insights, mas consegui formar uma pré-visualização da descrição de La Loba, a mulher errante que sabe-se lá por que coleciona ossos e madeira. Talvez pelo mesmo motivo que eu pinte e goste de blogar!

A primeira imagem que formei trás ela carregando uma bolsa onde leva os objetos que ela cata em suas caminhadas. Gostaria de agregar o ar de nativa americana que foi descrito no texto e nesse primeiro esboço não aparece. No trabalho finalizado no começo deste tópico aparece ela com as mangas de seu sobretudo dobradas, dando a impressão que ganhou usada na campanha do agasalho. Os ossos no cinto também tem essa função de enfeite e objetos ritualísticos da cultura indígena estadunidense. Acredito que o rosto com ossos largos e cheio de rugas ajudam a dar a impressão da raiz indígena da personagem.

Abaixo dois detalhes com informações de cores e detalhes do rosto, feito com pincel e bico de pena.

Dando Forma - Shaping Out

2011-11-26T23:00:00.001-02:00

Gabriela - A1 - Grafite - 2010

Como prometido segue um tópico especial sobre a estruturação do desenho. Nossa querida modelo mais uma vez cedeu seu precioso tempo e disposição em nome da arte. Como essas poses eram longas justamente para estrutur´-lo e dar um certo acabamento, a sessão rendeu bastante. Ao clicar na imagem acima poderá perceber várias linhas de construção, quase como um esqueleto, como no tópico anterior. Feito bem fraquinho com lápis. Lembrando que neste momento de esboçar é permitido errar a vontade a estrutura geral, pois é errando que se aprende! Vemos a cluna, o cotovelo, uma linha no meio da perna estendida e a marca do quadril. Depois disso veio o detalhes. Dedos de sua mão direita e sombra.

Logo abaixo dá para ver o esqueleto a esquerda. Perceba que é aquela história da figura palito. Nos desenhos da parte superior da folha vemos o esqueleto a esquerda, e vejam que coisa mais impressionante: consigo desenhar todo o braço que não consigo ver na figura finalizada. No desenho da direita não dá pra ver o esquelto palito, isso por que passei do estágio 1 - desenho palito, para o estágio 2 - blocagem, que seria estruturar a partir de blocos. Aquela velha história de cilindro para as pernas, cubo para o tronco e esse tipo de coisa, exatamente como o manequim de madeira. No estágio 3 seria o momento de finalização do desenho (sem ainda colocar luz e sombra, por favor, sei que é uma tentação dos infernos, mas ainda não é a hora.). Essa hora de dar a forma final a linha. Depois que o desenho estiver pronto, aí sim é a hora do acabamento, que são as luzes e sombras. O rosto está na sombra, mas faltou botar a sombra na parte de trás do corpo. No desenho da parte inferior o mesmo exercício.

E de novo e de novo! Claro que estas não são poses de 40 horas, por isso a Gabriela tem hora que parece que tem 1,80 de altura e outras que parece mais baixa com seus 1,60 acho. Como não sabiamos quanto tempo duraria a pose não tinhamos como ficar medindo. Mas não é desculpa, era preciso ficar atento e estruturar corretamente.

Neste desenho que gostei tanto ela ficou cabeçuda e não deu tempo para um sombreado sugerido.

Vejam vocês o que precisa fazer um modelo em nome da arte. Duvido tu ficar meia hora nesta posição ingrata! Lembro dela falar que os braços ficavam tremendo e a gente sempre incomodando para ela elevar a perna.

Ufa...depois de um árduo dia de poses, um repouso merecido!

Era uma vez No Oeste - Once Upon a Time in the West

2011-11-18T18:00:00.000-02:00

Era uma Vez no Oeste - A4 - Aquarela - 2011

Cráçico do cinema internacional!! Imagine-se na situação de ficar sustentando seu irmão com uma corda no pescoço com seu corpo franzino de adolescente. Com essa premissa pra lá de cafona, Sérgio Leone, Ennio Morriconi , Charles Bronson, Henry Fonda e grande elenco transformaram este filme num clássico. A melhor parte do filme são os 10 minutos iniciais.

Nada mais a declarar!

Rapidinhas - Quickies

2011-11-12T18:35:00.007-02:00

Estudos - A1 - Pincel Atômico - 2010

Um bom estudo, (bastante demandante do artista, tanto quando do modelo, acreditem) foi tentar capturar o movimento em cenas que mudam ao piscar dos olhos. Enquanto o modelo masculino dançava era preciso capturar as mais diversas poses. Perceba que algumas imagens estão bem figura palito: reto, estáticos, sem ação. Isso porque certamente perdi tempo tentando pensar em como resolver esta situação. Aí está o erro! Tem que soltar o braço (isso significa, dentre outras coisas, tirar o pulso do papel. É difícil eu sei) e iniciar pela parte mais importante do desenho. Qual é?

Imagine-se em frente ao espelho, comece a agitar os braços e pernas desesperadamente, antes, contudo, feche as portas e as janelas, ou alguém pode chamar o manicômio :). Qual é a parte que menos se mexe no seu corpo? Se mexer demais o seu eixo pode perder o equilíbrio, então a parte em que se encontra a coluna é a mais estática. Isso mesmo, seu tronco. Ao mesmo tempo que a coluna indica sua postura, na sessão de modelo vivo percebi que o que precisamos é capturar o movimento do eixo principal: a coluna.

Neste primeiro desenho acima, veja se consegue observar que os braços formam uma única llinha diagonal. Enquanto que a coluna, cabeça e perna esquerda do modelo forma uma única curva, a perna direita está mantendo o equilibrio naquela pose.

No desenho abaixo os braços se alinham a coluna. E as pernas?

Esta daqui está fácil. Tem a forma de uma cruz (levemente arqueada, é verdade). Trabalhar com pincel atômico (ou um pincel largo) é bom pois te obriga a esquecer os detalhes e ir direto ao ponto. Se estivesse usando um lápis, certamente ficaria tentado a criar dedos e olhos e orelhas. Com o pincel não dá, não! É bem frustrante, mas é por uma nobre causa!

Bah. mas quem foi que fez esses daqui..tá horrível! Não fui eu não, juro!! :)

Artistas que trabalham com quadrinhos e a quase extinta animação 2d costumam esboçar seus trabalhos deste jeito para conseguir espontaneidade. Depois vem o processo de dar corpo aos esboços. Vou demonstrar isto em outro tópico, talvez o próximo. Alguns conseguem dar vida aos seus desenhos desta forma.

Fazer desenhos rápidos é um ótimo exercíco, mas não são uma forma de arte em si (ou são?). São importantes pois ajudam o artista a soltar seu traço, melhorando sua gestualidade e espontaneidade.. Servem como aquecimento e registro para futura análise e quem sabe, uma referência para uma obra de arte finalizada.

Se tu gosta, ou conhece alguém que gosta de desenho, e fica maravilhado a ver esses tipos de rabiscos, não se preocupe, isso e perfeitamente normal (para estas pessoas, claro). Conheço muitos artistas que gostam mais de ver estudos e esboços do que pinturas finalizadas, pois tais estudos são o raio X do processo e revelam preciosos detalhes, tal qual um achado arqueológico.

Até a próxima e bons rabiscos!

Reme o Barco - Row your Boat

2011-10-16T22:20:00.003-02:00

Star Trek V - A4 - Aquarela - 2011

Praticando com aquarela para tentar melhorar alguns pontos fracos. E nada melhor do que Star Trek V para exercitar. Complicado criar o ambiente frio noturno e a temperatura quente da fogueira, mas como o filme já se deu a este trabalho, aqui está um estudo concluído. As figuras estão esquisitamente feias, eu sei, mas fiquei feliz com o resultado. As cores selecionadas também ajudaram. Azul ftalo é um auzl frio e que não serve pra muita coisa, mas nessa pintura ajudou a criar o tom frio necessário. McCoy, Kirk e Spock em volta duma fogueira cantarolando alegremente. Esta imagem vem da cena final. É difícil arrumar uma cena deste tipo em filme de ficção cientifica.
Ah..a propósito: " A vida não é um sonho."

Paisagem Aquarela - Watercolor Landscape

2011-10-07T23:59:00.002-03:00

Paisagem - A4 - Aquarela - 2011

Aquarela é de longe uma de minhas mídias favoritas. Tá ali com óleo. Mas eu queria ser bom, bom mesmo. Tipo o Cárcamo, ou o Lélis, ou o Alarção. Acho que já citei aqui no blogue que ser auto-ditada significa ter o pior professor disponível, pois ele não sabe nada. O progresso é lento. Teimosia, insistência e persistência pagam seus resultados.

Andei praticando de alguns imagens de filmes, pausa no dvd, rápido esboço e tinta. Como o do Hellraiser que postei há algumas dias. Essa paisagem me alegrou muito por diversos motivos: Acredito em meu parco conhecimento ter conseguido uma boa atmosfera (perspectiva áera ou espacial), a composição ficou interessante (apesar de ser uma cópia de uma imagem existente) as cores não ficaram tão "lavadas" (como costumo fazer).

Esta aquarela foi feita com papel Canson 200 e aquarela. A imagem veio do dvd Benhur, sempre lembrando que se for um estudo sem fins lucrativos dá pra fazer isso. Mas se quiser vender monte sua composição ou pinte ao ar livre (plein air)

Estudos de Movimento III - Movement Studies III

2011-10-06T21:17:00.000-03:00

Estudos Diversos - Diversos Tamanhos - Pastel Seco - 2010

Mais uma divertida leva de estudos gestuais para soltar o traço. Aqueles que apresentam o corpo como uma forma mais definida são as poses mais longas. E chega de estudo por enquanto!!

Estudos de Movimento II - Movement Studies II

2011-09-11T19:36:00.002-03:00

Estudos Diversos - Diversos Tamanhos - Pastel Seco - 2010

No primeiro e último desenho desta sequência percebe-se a simplificação da forma para capturar a pose e posteriormente dar um acabamento ao desenho. Nestes fiz apenas os esqueletos mas não pude finalizar.

Algumas poses são mais expressivas que as outras, aqui em cima a esquerda exagerei na curvatura da caixa torácica sobre a barriga e a perna dobrada, enquanto que a pose da direita não é muito interessante, talvez devido a impossibilidade de se ficar de pé nesta posição, a não ser que se esteja caindo.

Esta posição que requer força e equilíbrio, ela ficou naturalmente mais convincente que o desenho acima a direita, pois se percebe o equilíbrio para efetuar tal pose. A complexidade da pose e o curto período que o modelo a manteve representam um grande desafio para os artistas, visto que normalmente não vemos as pessoas de cabeça para baixo. É mais difícil entender o corpo nestas posições escorçadas.

Acima a pose ficou um tanto estranha, não se percebe que isso é um corpo masculino. Acredito ser interessante capturar o gênero do desenho. Abaixo apesar da simplicidade, se percebe o movimento e o equilibro em ambas as imagens.

Estudos de Movimento I - Movement Studies I

2011-09-07T22:32:00.003-03:00

Estudos Diversos - Diversos Tamanhos - Pastel Seco - 2010

Em 2010 tive a oportunidade de desenhar modelo vivo, este foi um exercício onde o modelo masculino dançava e era necessário fazer estudos rápidos, afim de capturar o movimento. Isso se mostrou uma tarefa difícil, visto que enquanto o pastel começava a correr no papel o o modelo já tinha feito uma meia dúzia de movimentos. Não eram uma pose parada de 15 segundos; o cara dançava e o pessoal tinha que se virar para conseguir capturar o movimento, no melhor estilo Degas. Os estudos foram realizados em folha A1, recortados e digitalizados para que pudesse postá-los.

Mas como fazer isso, sendo que o modelo não posava de forma estática? Lembrei dos ensinamentos do fantástico James Gurney, onde ele falava que para desenhar algo que se movimente, como por exemplo, um cavalo, ou uma galinha, é necessário praticar uma forma de memorização da imagem vista, ou seja, olhar para o modelo, congelar a cena em sua mente e esboçar rapidamente.

Além da complexidade desta tarefa, outra se faz necessária, que é transferir o que viu para o papel. Essa regra se aplica a toda a sessão com modelo vivo. Quanto maior o tempo da pose do modelo, mais podemos medir e conferir, quanto menor o tempo da pose, mais difícil a tarefa. Tem que se desenhar por reflexo, como alguém que pratica arte marcial e faz aquele movimento por instinto.

Curiosamente, ao olhar estes desenhos , percebe-se que existe uma relação de proporção que foi transferida instintivamente e intuitivamente, sem que houvesse medidas. Tudo se deu de forma automática na cabeça de cada artista envolvido na tarefa.

As imagens ficam interessantes graças ao equilíbrio do modelo, caracteriza pela instância das poses e a relação de equilíbrio entre os membros superiores e inferiores. A mudança do ponto de equilíbrio e graças também a flexibilidade do modelo. Esses trabalhos foram realizados com pastel seco, um giz de ponta grossa, o que auxilia o artista, pois ele se obriga a esquecer detalhes e retratar o todo, o que ajuda a manter a proporção da estrutura.

Renascendo - Hellraising

2011-08-28T22:27:00.002-03:00

Frank - A4 - Aquarela - 2011

          Voltando do mundo dos mortos aos poucos. Aproveitando posto um estudo/trabalho a aquarela de um dos meus filmes de terror favoritos. Hellraiser do Clive Barker. Tenho diversos estudos para postar, preciso apenas de tempo para fazer isso.
          Não tem nada mais nojento que o cara melequento recuperando sua forma e sujando as roupas. Mais ou menos quando a gente se machuca e faz um curativo ou o machucado fica sob a roupa e ela fica suja. Muito legal!
           Aproveito e posto dois detalhes da pintura, neles podemos perceber duas coisas: Primeiramente a imprevisibiidade da tinta, ela escorre e se espalha e nem o Google sabe onde vai parar. Em segundo lugar aqueles pequenos grânulos de pigmento que é caracteristico da aquarela. Alia-se a tais fatores a rica textura do papel. Como é um Canson comum de 200 gr, não tem tanta textura como o Montval ou o Fabriano, ainda assim a textura adiciona beleza e charme a pintura, por mais feio e nojento que o tema possa parecer.

São Francisco - Fauna - Saint Francis - Fauna

2011-07-16T01:00:00.000-03:00

Fauna

- Os arredores de São Francisco estão povoados com criaturas gentis, simpáticas que manifestam seu interesse bondoso com animais.

- De acordo com a lenda, um burro transportou São Francisco ao Morro La Verna na Toscana, onde ele recebeu a stigmata em 1224.

- Assim como muitos elementos na pintura de Bellini, o burro foi previamente planejado com um desenho.

- O desenho prévio é um desenho executado em linhas de tinta flúida no painel preparado, antes da aplicação da cor.

- Hoje, o desenho original pode ser visto com tecnologia infravermelho, que penetra as camadas superiores de tinta para fornecer uma imagem em preto e branco do desenho prévio abaixo.

- O reflectograma infravermelho mostra que Bellini desenhou o burro com detalhes e com grande cuidado.

- Muitas linhas finas aparecem no desenho original em volta do olho esquerdo do animal, na cabeça e no focinho.

- Bellini desenhou o brilho do olho direito e sobranchelha, mas não os executou com tinta.

- Uma garça cinza se empoleira em um afloramento na pedra pálida.

- Esta ave aquática grande e solitária evoca um eremita na floresta.

- Esta criatura relembra os retiros periódicos de São Francisco da civilização para oração e contemplação.

- O artista pintou a ave e seu poleiro rochoso sobre a paisagem do fundo. Eles não haviam sidos desenhados previamente.

- Além da figura de São Francisco, a única figura humana na pintura de Bellini é um pastor solitário que toca seu rebanho bem ao fundo.

- Ele olha além de suas ovelhas e carneiros e direciona seu olhar em nossa direção.

- Em muitas áreas da pintura de Bellini, padrões de impressões palmares e digitais são visíveis.

- Estas impressões pertencem a camada base de preparação, que foi espalhada no suporte cru por um assistente usando apenas suas mãos.

- Com o tempo, a textura das impressões tornaram-se visíveis nas camadas superiores de tinta.

- Um coelho surge de sua toca para investigar as atividades de seu vizinho sagrado.

- O artista pintou detalhes precisos do coelho como a linha de pelos de dentro das orelhas.

- Esta criatura nos convida a considerar a pintura de Bellini não apenas com seriedade de propósito, mas também com inocência e deleite.

- Uma pequena ave, provavelmente um guarda-rios, se empoleira no espaço fresco e úmido sob um bica de água.

- A ave pousou em um galho de uma árvore qualquer, na qual um pedaço de papel é afixado carregando a assinatura de Bellini.

- A assinatura no "cartellino" dobrado está escrito em elegantes letras capitais romanas.

São Francisco - Flora - Saint Francis - Flora

2011-07-09T01:00:00.002-03:00

Flora

- O habitat rural de São Francisco contém uma abundante variedade de plantas, nativas e cultivadas, brotando e adormecidas.

- Bellini descreve certos tipos de vegetação com grande precisão botânica e outras de uma maneira mais abreviada.

- A visão enciclopédica da natureza compreende o ciclo de nascimento, crescimento, morte e regeneração.

- O abrigo do santo suporta uma intrincada cobertura de videiras cultivadas.

- Plantas nativas crescem das bordas das pedras acima.

- Asplênio(espécie Asplenium)

- Linária (Cymbalaria muralis)

- Junto a moita verde há uma dispersão de flores brancas.

- Estas são conhecidas como corriola.

- Estas flores em forma de trompete abrem a luz da manha e murcham no decorrer de um único dia.

- O Santo guarda um pequeno jardim, que contém plantas medicinais tipicamente cultuvadas em monastérios.

- Íris (variedade Iris germanica, florentina)

- Verbasco (Verbascum thapsus)

- Zimbro Rasteiro (Juniperus communis)

- A direita do Santo, uma árvore plantada com folhas.

- A forma da planta é repetida em padrões de imagens, tramas e se unindo a tudo na pintura.

- No chão abaixo da mão direita do santo há um toco de uma figueira (Ficus carica).

- De um ramo remanescente da árvore cortada começa a brotar novas folhas.

- Outra figueira na montanha está repleta de pequenas frutas.

- Nativa avenca-brava (Asplenium trichomanes) e Hera (Hedera helix) crescem perto das faces da pedra.

- A extrema esquerda um alto, nativo loureiro (Laurus nobilis)

- A planta dobra e brilha enquanto a luz se move através de suas folhas.

- Com seu pincel, Bellini louva o reino da criação de Deus: do nobre louro a modesta margarida.

- Estas pequenas flores podem ser áster italiana (Aster amellus?)

- Elas tem centros amarelos, e suas pétalas são de cor azul e púrpura.

- A beleza singela destas flores relembram a simplicidade do próprio Francisco, que renunciou possessões mundanas para abraçar uma vida de pobreza, humildade e oração.

A seguir: a Fauna

São Francisco - O Santo - Saint Francis - The Saint

2011-07-02T01:00:00.003-03:00

Santo

- São francisco anda de pés descalços no solo rochoso. Ele é transfixado pela iluminação dourada radiante que surge do céu.

- Sua face e mãos recebem a luz, que se projeta sobre as dobras de seu hábito e causa sua figura a projetar uma sombra forte.

- Bellini planejou a cabeça e a face de Francisco com extraordinário detalhe.

- Estes detalhes são visiveis no desenho original, executado em linhas de tinta preta fluida no painel preparado, antes que as cores fossem aplicadas.

- Hoje, o desenho pode ser visto com tecnologia infravermelha, que penetra as camadas superiores de tinta para fornecer uma imagem em preto e branco do desenho logo abaixo.

- Linhas escuras do desenho indicam o perfil da face e pescoço, enquanto pinceladas sobrepostas sugerem o contorno externo do crânio.

- Durante a pintura, estas linhas guiaram a mão do artista enquanto ele preenchia as formas com cor.

- Além de planejar os contornos do desenho, Bellini considerou a queda da luz no rosto.

- Ele modelou sombras e superficies curvadas com linhas paralelas, curtas.

- Originalmente, a pintura de Bellini cobre completamente o desenho

- Com o passar dos anos, a tinha fica mais e mais transparente - um processo natural.

- Como resultado, partes do desenho oculto se ornam visíveis na superfície pintada.

- A execução meticulosa de Bellini revela a qualidade de um retrato vivo da face do Santo.

A seguir: a Flora

São Francisco - Céu - Saint Francis - Sky

2011-06-26T01:00:00.003-03:00

Céu

- Bellini pintou o céu em primeiro lugar.

- Perto do horizonte o ar apresenta uma coloração azul pálida e cheio de nuvens.

- Em direção ao topo do painel, o azul da atmosfera se aprofunda, tornando-se celestial.

- Em grande ampliação, o céu azul de Bellini mostra sua qualidade e características de efeito espetacular.

- O aritsta atingiu as áreas de azul intenso e brilhantes usando um pigmento ultramarinho, misturado com diferentes proporções de azul e suspensas em óleo.

- A mídia óleo permitiu a ele aplicar tinta de uma maneira mais pincelada e livre.

- Ultramarinho é um pigmento altamente valioso, produzido por moagem de pedras de lápis lazúli.

- No tempo de Bellini, lápis lazúli foi produzido das minas do que atualmente conhecemos por Afeganistão, o nome do pigmento então era "oltremare" ou " além do mar".

- Em certas regiões do céu, sob grande ampliação, partículas individuais de pigmento ultramarinho pode ser visto.

- Uma luz do outro mundo surge do canto esquerdo superior do céu.

- De uma maneira nunca vista antes na pintura italiana, Bellini representa a luz enquanto ela se move em finos raios e poças de nuvens douradas.

- Trilhas em movimento de tinta amarela demonstra uma técnica de maior liberdade e expressividade.

- Muitas áreas da nuvem mostram um impasto audacioso - superfície texturizada e elevada de tinta óleo.

- Bellini criou os raios finos de luz com uma técnica conhecida como pincel seco.

- Ele aplicou uma camada fina, nivelada de tinta amarela diagonalmente além do fundo azul, permitindo o céu a aparecer entre as pinceladas.

- Estes véus de cor delicados produz o efeito de luz em movimento.

- Alguns raios iluminam as folhas de louro.

- A árvore é fortemente iluminada enquanto a luz a atravessa.

- A luz trilha pela profundeza lúcida do céu em direção a São Francisco. Ele a encontra de braços abertos.

- A luminosidade dá brilho ao seu traje e o imbuí com dignidade.

- A luz ativa a cena inteira, guiando o milagre da comunhão do Santo com Deus.

A seguir: o Santo

São Francisco - Introdução - Saint Francis - Introduction

2011-06-19T20:09:00.003-03:00

No Museu Frick, um extraordinário Museu de Nova Iorque está acontecendo uma bela mostra de uma tela de Giovani Bellini, artista italiano (cerca de 1430 - 1516), Esta tela, São Francisco no Deserto foi pintada entre 1475-1478, óleo sobre painel de madeira Choupo, 124,46 x 142,24.

A mostra vai de 22/05/2011 até 28/09/2011.

A imagem pode ser vista no recem lançado Art Project do Google. Basicamente traduzi o texto do site e estou colocando aqui para apreciação. Bem como os links do You Tube.

Em 2010 a pintura viajou ao Centro de Conservação de Pinturas Sherman Fairchild do Museu Metropolitan de arte para exames técnicos por um time de especialistas. Eles exploraram o processo de trabalho de Bellini e os meios pelos quais ele criou esta obra de arte.

Bellini pintou São Francisco no Deserto em um grande painel de madeira de Choupo.

1 - Uma base de gesso foi aplicada, seguida por uma fina camada de uma mistura de óleo com o pigmento branco de chumbo (o pigmento da época, altamente tóxico) foi espalhado a mão (pelo ajudante do cara, ele não é bobo)

2 - Um desenho cuidadoso foi feito no painel sobre esta base branca usando pincel e tinta preta.

3 - Muita improvisação e mudanças foram feitas no decorrer da execução, como pode ser visto no vídeo que fala sobre o Santo, por exemplo.

Bellini foi muito importante na transição da técnica de tempera de ovo para a técnica de tinta óleo como a mídia predominante em Veneza, Itália. Usando desde o brilho da cor viva até criar texturas que apenas o óleo pode proporcionar (na época, naturalmente. Hoje se consegue textura com tinta acrílica ou óleo a base d'água).

Introdução

- São Francisco no Deserto de Giovanni Bellini está atualmente a mostra no Salão Oval da Coleção Frick.

- A ocasião desta mostra é um recente exame técnico que ilumina o processo de trabalho do artista.

- Giovanni Bellini, também conhecido pelo seu nome latino, Ioannes Bellinus, nasceu no começo dos anos de 1430 em uma família de artistas. Ele aprendeu a pintar na oficina Veneziana de seu pai, Jacopo Bellini.

- Giovanni provavelmente completou São Francisco entre 1475 e 1478, quando ele estava nos seus quarenta anos e era um dos mais renomados pintores de Veneza.

- A apresentação digital acompanhando esta mostra oferece uma vaga idéia do mundo desta obra de arte de Bellini.

- O reflexograma infravermelho visto aqui, é uma imagem em preto e branco oculta nas camadas inferiores da pintura.

- Ela nos informa sobre o processo preparatório e as mudanças que ele fez durante a pintura.

- Fotomicrografia nos permite uma grande ampliação para ver a superfície da tinta.

- Fotografia detalhada fornece uma visão sem precedentes das variedade e da amplitute da composição.

A seguir: o Céu

Paleta de Cores - Color Palette

2011-05-08T12:48:00.002-03:00

Paleta para destros

Paleta para canhotos

Quando artistas se encontram hoje em dia as perguntas que vem a tona são :

1 - Qual seu software favorito?

2 - Quais seus pincéis (digitais) favoritos?

Antes da era digital os artistas se encontravam e as perguntas que vinham a tona eram:

1 - Qual sua paleta de cores favorita?

2 - Quais seus pincéis favoritos?

Desde sempre os artistas tradicionais se beneficiam do espectro de cores disponíveis, existem contudo, cores que são utilizadas quase que por unanimidade pela grande maioria dos artistas (quando falo artistas, falo artistas, ilustradores e designers, independente de utilizarem midia digital ou tradicional, pois os princípios de cores se aplicam a todos). Alguns artistas utilizam mais cores em sua paleta e outros utilizam menos cores. Ao utilizar menos cores, temos, naturalmente, menos problemas, ao utilizar mais cores, temos um número maior de problemas em mãos. Independente do número de cores disponíveis, raramente um artista utilizará um cor direta do tubo, ele sempre vai mistura-lá afim de obter a cor desejada. Vale lembrar que o conhecimento humano sobre cores remonta estupendos 30 mil anos. Eugene Delacroix começou sua carreira com uma paleta limitada, ou digamos "clássica"e adicionou até 40 cores a sua lista de cores geralmente utilizadas (calma que ele não colocava tudo na paleta, eventualmente adicionava uma ou outra destas cores para determinadas situações onde elas eram necessárias). Normalmente quando aprendemos a trabalhar com cor começamos com as três cores primárias mais o preto e o branco. Para uma pessoa que está começando a pintar seria recomendado utilizar as cores primárias. Alguns artistas tinham tal domínio da cor que apenas essas cores formavam sua paleta para todos os seus trabalhos:

Amarelo Cádmio

Vermelho Cádmio

Azul Ultramar

E para ajustarmos a cor utilizamos o preto e o branco:

Branco Titânio

Preto

Acima mostro como ficaria a disposição de cores para quem é destro e para quem é canhoto como eu. Não se preocupem pois tenho dois amarelos na paleta, isto por que o trabalho que estou produzindo demanda uma outra forma de pesquisa. Essa paleta apresenta algumas cores que normalmente utilizo, nesta postagem verão que tenho ainda um outra cor. Dependendo do resultado desejado, fazemos como Delacroix.

Os copinhos acima são utilizados para pintura a óleo, normalmente uma delas deveria conter óleo de linhaça e a outra deveria conter terebentina. No meu caso não gosto muito de utilizar óleo de linhaça, mas preciso da terebentina para diluir a tinta, então uso um deles para misturar a tinta e outro para limpar o pincel. Aqui ainda não utiliza a Terebentina e sim uma opção que tem um cheiro menos forte com um poder de diluição também menor. No caso de aquarela, guache ou tinta acrílica, é preferível ter dois potes de água pelo mesmo motivo. Um para limpar seu pincel e outro para diluir a tinta. Evite que a parte de água (ou terebentina) fique suja, isso acaba influenciando no resultado final da mistura de duas cores.

Ao espremer a tinta do tubo seja sensato, não seja tão sovina (como eu :)) a ponto de espremer uma quantidade minúscula. O branco pode ter o dobro de quantidade das outras cores visto que será bastante utilizado. Essa quantidade que espremi é pouco comparado ao tamanho da tela que estou fazendo, isso por que não estou pintando tudo "alla prima", estou pintando por etapas. Nesse caso o melhor é espremer a quantidade necessária para aquela parte que está sendo pintada. Hoje normalmente os artistas utilizam uma quantidade pequena de tinta mesmo. Esses dias li em algum blog que John Singer Sargent espremia bolhas de tinta de 50 dólares enquanto que artistas da atualidade espremem bolhas de 10 centavos. Ou seja ele botava a tinta que iria utilizar naquele dia, visto que era um artista profissional e passava os dias pintando.

Como visto nas fotos das paletas, a tinta é colocada no alto e eventualmente na lateral (seguindo o contorno da paleta) enquanto que a área central é reservada para as misturas. Percebam que as misturas amarelas estão abaixo da cor amarela, as misturas vermelhas estão abaixo da cor vermelha e as misturas de azuis estão abaixo da cor azul (tem um azul perdido na extremidade oposta de onde a cor azul está espremida, sem problemas e paranóias quanto as regras acima citadas).

ATENÇÃO: Marcas de tintas diferentes utilizam alguns nomes comerciais diferentes e portanto a cor que tu estarás comprando pode não ser aquela cor que tinha em mente. Em caso de dúvida compare as cores de outros fabricantes (não precisa abrir o tubo para olhar, pode comparar pela cor do rótulo mesmo). Eu mesmo comprei um vermelho que é marrom e nunca utilizei esta tinta. Dinheiro jogado no lixo (claro que podemos adicionar um amarelo ou branco ou outro vermelho para tentar melhorar a cor, mas pode levar tempo até conseguir o tom que queria comprar originalmente).

Em futuras postagens citarei algumas paletas de artistas famosos (ou não) para tentar ajudá-los (ou confundi-los ainda mais) para que possam obter os mais diversos e melhores resultados em suas pinturas.

   Para começar posto uma paleta que obtive de um livro que li que se chama Alla Prima de Al Gury (lembrando que não precisam adquirir todas, pode começar com as cores que sugeri acima, sempre que possível tentarei traduzir o nome da cor para a nossa realidade e mercado, ainda assim manterei os nomes originais para quem quiser adquirir as tintas importadas):

          Paleta Clássica Recomendada:

          Branco Titânio                               Titanium White
          Amarelo Cádmio Claro                  Cadmium Yellow Light
Amarelo Ocre                              Yellow Ochre
          Vermelho Cádmio Médio             Cadmium Red Medium
          Rosa Permanente                            Permanent Rose
          Azul Ultramar                                 Ultramarine Blue
Sombra Natural                              Raw Umber
      Terra Queimada                              Burnt Umber
          Terra de Sienna Queimada         Burnt Sienna
          Vermelho Veneza                       Venetian Red
          Vermelho Indiano                           Indian Red
            Preto                                            Ivory Black

Cores adicionais para expandir a paleta clássica:

            Laranja Cádmio                           Orange Cadmium
            Amarelo Limão                            Lemon Yellow
            Vermelho Cádmio Escuro            Cadmium Red Deep
            Violeta Dioxazina                         Dioxazine Purple
            Verde Cádmio                             Cadmium Green
            Óxido de Cromo Verde               Chromium Oxide Green
            Verde Veridiano                          Viridian Green
            Azul da Prússia                            Prussian Blue
            Terra Verde                                 Green Earth
             Sombra Esverdeada                        Greenish Umber
             Óxido Vermelho                          Red Oxide
             Óxido Vermelho Transparente     Transparent Red Oxide
             Amarelo Marte                            Mars Yellow
             Violeta Marte                              Mars Violet
            Terra de Sienna Natural                Raw Sienna

Sobre Retratos - About Portraits

2011-04-17T23:03:00.003-03:00

Estudo Paulo Zulu - A5 - Aquarela - 2006

Inicio este tema conforme havia prometido ao final desta postagem. Em um tempo que que não existia a fotografia, o registro das grandes personalidades históricas se dava através das mãos e habilidades dos artistas.Ainda no século XX muitos presidentes americanos foram retratados por grandes artistas. Norman Rockwell pintou alguns presidentes antes deles se tornarem presidentes para capas da revista The Saturday Evening Post: (General) Dwight Eisenhower, capa de 11 de Outubro de 1952; Richard Nixon de 5 de Novembro de 1960; (Senador) John Kennedy, de 29 de Outubro de 1960.

          Enquanto lia a matéria do link da Restauração do Velásquez acompanhei uma matéria no blog de David Apatoff (apenas em inglês, infelizmente), chamada Os Últimos Pintores da Corte, onde ele cita: " Hoje é difícil imaginar um líder em qualquer lugar que recorra as artes para estabelecer sua imagem. O triunfo do vídeo e a receptividade alterada do público são, obviamente, razões importantes para esta transformação..."
          Claro que a agenda de um presidente em nosso mundo globalizado não permite longas sessões para um " pintor de corte" , associe a isso fatores como facilidade de captura de imagem e reprodução de uma fotografia. Fotografar uma pintura é algo bastante complicado, existe todo um ritual de preparação: Reza a lenda a necessidade de dançarinas virgens adulando a pintura para que o fotógrafo consiga capturar os efeitos da veladuras e das misturas físicas e químicas dos pigmentos. Devido a esses e outras complicações técnicas opta-se pelo uso da fotografia.
Curiosamente Apatoff fala do sofrível retrato do Barack Obama, aquele feito pelo artista Shepard Fairey, sendo, em suas contundentes palavras: "mostrado aqui (na foto da matéria) sendo aplaudido por focas treinadas".Uma novela de roubo de direitos autorais do fotógrafo freelancer Mannie Garcia que nem quero me aprofundar. Se compararmos o retrato do então Senador Obama com o retrato do General Dwight Eisenhower, vemos que carece das qualidades técnicas e da energia que o modelo transmite. Apesar do Obama vislumbrar o futuro naquele olhar grego clássico, as cores o fazem parecer, ao menos para meu paladar artístico, doente.
A gota d'água foi quando recebi um email do meu irmão sobre uma matéria paga no jornal The New York Times pelo artista brasileiro radicado nos Estates e podre de rico, Romero Britto. Gosto de alguma coisa dele e acho que seu trabalho apresenta algumas qualidades, porém não serve, no meu ponto de vista, para fazer retratos. Para o meu paladar artístico limitado, retrógrado, conservador, teimoso e sisudo, acho que a Dilma ficou horrorosamente horrorosa.
Nem tudo está perdido. No mundo ainda existem artistas excelentes que ganham sua vida pintando e fazendo retratos: Jeremy Lipking, David Larned, Scott Burdick, Marvin Mattelson, Morgan Weistling e John Howard Sanden para citar uns poucos. Retratos não como se fazia antigamente: Melhores!

Modelos Não Tão Vivos - Not so life models

2011-03-06T09:37:00.002-03:00

Dynastes Hercules - A5* - Grafite - 2010

Tupinambis Meriane - A5* - Grafite - 2010

Modelos vivos são legais de desenhar, mas modelos não tão vivos são mais legais ainda. Por quê? Eles não se movem em hipótese alguma e mantêm a pose por horas a fio se necessário, e se precisar, para sempre. Brincadeiras a parte desenhar objetos inanimados é muito prazeroso, seja ele um besouro, um crânio ou mesmo uma natureza morta com objetos que temos em casa. A complexidade de um crânio não se compara ao de uma garrafa de vinho, por exemplo, mas não subestimemos a dificuldade que uma garrafa apresenta, tampouco sua beleza.

Esses desenhos foram feitos no Museu da Ulbra em Canoas, mas a Unisinos tem seu museu, assim como a PUC de Porto Alegre, e o da UFRGS, também temos o Museu de Miniaturas em Porto Alegre, Museu Júlio de Castilhos (reza a lenda que a casa é mal-assombrada) , Museu de Comunicação Social, Museu da CEEE, Museu do Exército e por aí vai. Eventualmente os Shoppings da cidade apresentam coisas interessantes, como no caso do Praia de Belas que expôs cobras e aranhas, acho que do "acervo" da PUC se bem me lembro, as cobras por serem animais de sangue frio ficavam encolhidas num canto, o que facilita o desenho.

O inocente besouro Hércules pode chegar a 17cm.. É grandão mesmo, mas não se assustem, pois existem insetos ainda maiores e mais feios que ele. Já o simpático Teiú pode chegar até 1,5 m de comprimento, portanto fiquem longe dele. O crânio é mais amigável, outra qualidade dos modelos não vivos.
Lembram da aquarela dos Gladiadores abaixo? Estão no verso desses desenhos.

*Ambos desenhos foram feitos na mesma folha A5.

Modelo Vivo - Life Models

2011-02-20T19:12:00.001-03:00

Modelos - A4 - Grafite - 2010

Em 2010 tive o privilégio de realizar alguns desenhos de modelo vivo. Quase sempre desenhei de fotos ou de cabeça, sempre baseado em padrões acadêmicos; receitas de bolo. É impressionante como o traço evolui rapidamente quando desenhamos de modelos vivos.

Quando desenhamos baseados em fotos ou de cabeça dificilmente conseguimos a tão procurada qualidade tridimensional que caracteriza os trabalhos feito de observação como esses acima. Ou esquecemos algum detalhe, ou exageramos na sombra, ou pecamos por erros grosseiros que uma mera consulta ao modelo pode solucionar. O problema aqui é transformar uma imagem que já está em duas dimensões (como uma foto) em uma imagem em duas dimensões (seu desenho finalizado na melhor forma possível).

Naturalmente as academias ensinam primeiramente a copiar de desenhos e fotos para então passar para o modelo vivo. É como aprender a ficar em pé antes de começar a andar; um processo evolutivo perfeitamente natural.

Ao desenhar do modelo alguma coisa acontece, pois ele respira, cansa e se move. Ele tem, ao contrário de uma foto, três dimensões. Transpor essas três dimensões para as duas dimensões do seu papel, computador ou tela é um desafio. Capturar essas sutilezas do volume é um novo desafio que incomoda. A prática é o melhor remédio e seu trabalho ganha sempre.

Some a essa dificuldade o fato de encontrar modelos adequados. Modelos adequados não são apenas belos modelos, mas modelos que tem a paciência e a virtude de ficar imóveis por longos períodos enquanto são dissecadas visualmente por olhos famintos de conhecimento. Ao olhar para um modelo não pensamos apenas na beleza, mas em como o corpo funciona e como ele reage a luz e a sombra, como interage com elementos em torno de si. Descobrimos que formas arredondadas criam um sombreamento com bordas suaves enquanto formas mais angulares nos dão sombras mais rígidas, retas. E isso tudo num único modelo.

Todos estes problemas são poucos se compararmos os problemas que advém do estudo da cor, mas isso é outro assunto.

Os simpáticos modelos que tive a oportunidade de desenhar são a Gabriela e Cristiano.

Restauração - Restoration

2011-02-16T22:33:00.004-02:00

Felipe IV - 210x102cm - Óleo - c 1624-1627

Não acreditem em nada do que lhe disserem sobre pintores espanhóis: Diego Rodriguez de Silva y Velazquez É o melhor e maior pintor espanhol de todos os tempos. Se citarem outros nomes, não acredite, discorde respeitosamente e diga com orgulho e certeza o nome desse cara. É fim de discussão. Mais da vida e obra dele pode ser vista pela Internet.

Apesar do modelo não ajudar muito, sim, o pobre (ou será rico) rei da Espanha era feio para caramba (acho que em feiura ele só é batida pela realeza da Inglaterra, aliás, feiura essa quebrada pela genética da bela Lady Diana), ainda assim a pintura do cara detona.

Em 20 de Dezembro de 2010 o jornal The New York Times ( viva a Internet) publica uma notícia sobre a restauração de uma obra de ninguém menos que Velazquez. Clique aqui para saber mais sobre a restauração (em inglês). Clique no trequinho azul no meio da tela e arraste para a direita para ver como estava a pintura antes. Arraste para a esquerda para ver o trabalho de restauração de um ano efetuado pela competente equipe de conservação do Museu Metropolitan de Arte de Nova Iorque. Acima da tela tem 4 abas. Recomendo clicar nelas. Na aba dois verá o trabalho de Nova Iorque, o da restauração, este atribuído ao artista. Na aba dois verá o de Boston que é atribuído ao que a notícia se refere como oficina de Velazquez, possivelmente da equipe a quem ele ensinava e o ajudava, e na aba 3 a pintura do Prado em Madri, cuja imagem figura acima e se passar o mouse nela verá o raio X da imagem, que acredita-se serviu de gabarito para a imagem que hoje se encontra no Museu Metropolitano de Arte. Na aba 3 podemos ver o brilho da imagem após a restauração. Não se compara a ver o original, naturalmente.
A notícia não fala no por que a tela ficou tão deteriorada ou como, mas possivelmente por ser guardada em condições inadequadas ou sofrer restaurações também inadequadas. Alie a isso tudo o fato de pinturas dessa qualidade estarem " fora de moda" logo após ter sido adquirida e os movimentos artísticos do século XIX e XX. Felizmente o realismo está voltando a moda nesse começo de século XXI, e não veremos apenas os clássicos mas também excelentes obras produzidas por artistas vivos, artistas esses dedicados e comprometidos com qualidade e originalidade.
Por falar em retrato, logo vou comentar sobre os retratos presidenciais...antes, porém. vou postar algo de minha autoria. :)

Gladiadores - Gladiators

2011-01-30T21:17:00.000-02:00

Gladiadores - A5 - Aquarela - 2011

Fiz esse estudo de uma dupla de Gladiadores, de um filme muito antigo que comprei recentemente. Parei por aqui por que não tinha percebido que no verso da folha havia outros estudos. Estou usando um caderno para efetuar esses desenhos e pinturas mais esboçadas ou estudadas. Essa estudo serve para mostrar como se começa uma aquarela. Essas cores servem de base para que saibamos qual a cor dos objetos a serem trabalhados. Naturalmente, dependendo de onde e quando, as cores adquirem características diferentes por razões diferentes. Exemplo: Cores quentes e frias.

Apesar de ter gente que não goste de algumas terminologias sobre cores, associamos algumas cores a objetos e seu comportamento. Cores amareladas, avermelhadas, ou terrosas (outro nome que pode causar estranheza em tempos digitais) normalmente são associadas ao ambiente quente, enquanto que cores azuladas lembram a baixa temperatura, a neve ou a noite (embora a noite só seja realmente azul no cinema). Haverá momentos em que precisaremos de um vermelho frio, ou de um azul quente.

Parece confuso? E é!

Mas não se preocupe com isso. Na hora de pintar pense menos em química e física e pense mais em diversão.

Estudando os Mestres II - Master Study II

2011-01-15T19:22:00.002-02:00

Estudo - A5 - Acrílico - 2010

Arrisco a dizer que se qualquer artista vivo fizesse uma lista dos 10 melhores pintores clássicos, Vermeer estaria nessa lista. Um artista que tem pouquíssimas obras tem sido redescoberto no último século como um grande mestre. Não é para menos. Ele foi aluno do respeitadíssimo Carel Fabritius; um dos alunos mais prolíficos de ninguém menos do que Rembrandt.

Conhecida como A Mona Lisa Holandesa, esse retrato intimista mostra toda a habilidade que Vermeer tinha com a tinta. Especulações surgem sobre a tela que inspirou um filme em 2003.

Esse foi o segundo estudo de Mestre que fiz. Não gostei do resultado, por isso rasguei e o coloquei no lixo. Meu filho adorou o "quebra cabeças" e aceitou o desafio de montá-lo. Tive que registrar.

Quando achar que seu trabalho não ficou bom ou a altura do que desejava, que ele não atingiu seu propósito, seja como estudo, como trabalho finalizado, não tenha pena: destrua-o. Guarde apenas os melhores, os melhores que pode fazer com seu conhecimento técnico e artístico naquele momento. Comece de novo com uma folha em branco e com disposição. Comece de novo e de novo, até ficar satisfeito, nem sempre temos tempo para refazer um trabalho,mas se puder faça. Nesse caso apenas o destrui, não o refiz.

Ainda.

Exoesqueleto II - Exoskeleton II

2011-01-12T01:00:00.066-02:00

Armadura - Nanquim - A3 - 2008

          O filme é bem legal, bastante ação, uma bela armadura reluzente construída com tecnologia alienígena tirada de sucata de guerra. Como alguém não vai gostar. A armadura parece não pesar nada no herói. E não pesa, ela é digital, não é como a armadura do Robocop, que nem de lata é feita, e sim a partir do material das pranchas de surfe, com o mesmo acabamento e tinta metalizada para dar o efeito desejado.
          Para este desenho utilizei (na verdade meu filho me ajudou), caneta Nanquim, como pode ser visto na postagem anterior e pincel para as áreas maiores. Usei acrílico branco para corrigir o pé esquerdo do personagem, pois meu filho não havia gostado. Normalmente,bem...antigamente se utilizava guache branco para corrigir erros e criar efeitos nas páginas originais das histórias em quadrinhos. Como eu não tinha guache, utilizei acrílico com o mesmo efeito. Na foto acima é um recorte da foto abaixo, por isso o brilho atrapalha a visualização do pé do bicho. Foi feito num folha A3 que comprei numa loja de material escolar. Comprei uma centena destas folhas, ela é bem lisa e boa para esse tipo de trabalho em preto e branco, mas não serve para pintura..
           Abaixo coloco uma foto deste destemido escriba com seu visual rebelde

Este que vos tecla - Cabeludo - Inverno 2008

Parece que desenvolver exoesqueletos é um é a realização de um sonho militar que avança a passos largos. Outra empresa de tecnologia investe no desenvolvimento de tal equipamento. Legal ver o que parecia ficção vai aos poucos se tornando realidade. Até o nome do modelo parece nome de personagem de filme de super herói.

Recentemente vi na tv uma mulher paraplégica testando a armadura do vídeo anterior. Ela andava com a armadura e duas muletas para ajudar no equilíbrio. A armadura a levava aonde ela quisesse sem lhe causar cansaço. Uma ótima utilidade para um equipamento militar, ajudar as pessoas com deficiência ou com alguma limitação física por motivos de saúde a se locomoverem..

Exoesqueleto I - Exoeskeleton I

2011-01-08T22:20:00.002-02:00

Armadura - Nanquim - A3 - 2008

Quando o filme do Homem de Ferro apareceu a família toda foi assistir. Meu filho adorou aquela fantasia, e a outra criança de 37 anos que sentava ao seu lado também.

Procurei diversas ilustrações do homem de ferro. O papel de parede do filme decorava a tela do computador. Numa dessas ilustrações do artista Bósnio Adi Granov meu filho solicitou que eu fizesse uma cópia dum robô grandão. Fí-lo e deixei ele cuidar da arte final da armadura.

Esses dias navegando pela Internet descubro um vídeo de uma armadura, estrelado pelo artista Clark Gregg, que faz um agente da S.H.I.E.L.D no filme do Homem de Ferro, fez uma visita a esta empresa.
Não é tão estilosa quanto a dos quadrinhos ou a do filme,mas é muito interessante e quem sabe em breve veremos pessoas, que não sejam militares, as utilizando? Pode ser usada para carregar bastante peso, com uma empilhadeira. Perceba no final do vídeo um homem comum levantando dois halteres de 35 libras cada, o que equivale a 15 quilogramas, com certa dificuldade, enquanto que a armadura faz o trabalho com certa facilidade. Quem sabe daqui a alguns anos além das lojas de carros e motos, teremos lojas de exoesqueletos e as pessoas as utilizarão para ir ao trabalho evitando assim congestionamentos e acidentes? Uma utopia como uma armadura de histórias em quadrinhos?

Vale a pena dar uma conferida.

Emil Blonsky

2010-12-05T22:25:00.000-02:00

Abominável - Grafite - A4 - 2010

No filme de 2008, o adversário do verdão é o Abominável. Não lembro dele das hq´s dos anos 80, embora esse personagem tenha sido criado em 1967. Pelo que vi na net o visual desse personagem no filme ficou mais ameaçador do que o dos quadrinhos, que tem umas orelhas bem estranhas...

Nesse filme o Hulk fica com um tom oliva, em vez do esmeralda do filme de 2003, e tem muito mais detalhes, assim como o Abominável.

O legal é que os golpes do Hulk lembram os golpes da histórias em quadrinhos que lia lá nos anos 80, desenhada por Silvio "Sal" Buscema, irmão de ninguém menos que "Big John" Buscema, falecido em 2002 de câncer. Os desenhos dos dois eram bastante parecidos, se usassem os mesmos arte finalistas não era uma tarefa fácil distingui-los.

Como toda criança saudável que gosta de monstros e vídeo game, meu filho solicitou-me um desenho do abominável. Estando de bobeira o fiz. Como usei o papel de parede que ele catou na Internet, e não tinha a parte das mãos para baixo, tive que me contentar com algumas outras fotos de brinquedos em outras posições que ele também achou na Internet e desenhar de cabeça. Além disso tive que cuidar a iluminação para ficar mais ou menos do mesmo jeito que a parte de cima do desenho.

Mano - Bro

2010-11-28T22:19:00.001-02:00

Mano - Óleo - 30x40cm - 2010

Recentemente meu irmão concluiu seu curso e ao ver minhas caricaturas no blog gostou tanto delas que resolveu solicitar uma para ilustrar seu excelente blog de Gestão Empresarial. Como estou estudando um pouco de caricatura nas parcas horas vagas que tenho e ando me esmerando bastante resolvi aceitar o desafio.

Como todo o trabalho, ele começa com estudos diversos. A primeira versão apresentada não foi aceita (como se ele tivesse o direito de escolher, já que é um presente, né mano?), contudo, considerando isto como um trabalho - já que deu trabalho - resolvi acatar a opinião do contratante.
Como falei acima, a primeira versão foi descartada, passei então para uma pesquisa diferenciada. Depois de alguns rápidos estudos saiu algo apresentável. Pode-se ver aqui abaixo como ficou o desenho a lápis numa folha a4.

          Com o desenho aprovado, e ele nem esperou cor para postar em seu blog de tanto que gostou, era hora de começar o processo de pintura. Após transferir o trabalho para o mdf preparado, dei início ao processo de pintura que também foi feito nas horas vagas. Acabei corrigindo algumas coisas que me não me deixavam feliz no desenho, diretamente na pintura.
          No início desta postagem pode ser vista a versão final da pintura que escaneei (é necessário que a tinta a óleo esteja seca ao toque para poder escanear, isso leva mais ou menos uns 5 dias) e ajustei para que ficasse o mais fiel possível a pintura original. Como sempre, a compressão da imagem foi cruel e acaba chapando a qualidade pictórica do trabalho.
          Pode-se apreciar nos detalhes abaixo a textura da tinta, bem como suas pinceladas e as cores utilizadas.

Fazendo um trocadilho infame, podemos ver abaixo o "dente" da pintura....essa foi fraca eu sei. "Dente" do inglês Tooth, é a adorável textura da tela. Ela tem o fundamental papel de segurar a tinta. Se a textura da tela for lisa demais, pode haver problemas de aderência e ela literalmente cair. É uma longa história, mas para outra postagem.

Taí manão, sei que tu gostou e parabéns pelo Canudo, tu merece!

Paul MacCartney

2010-11-06T23:48:00.001-02:00

Paul MacCartney - Grafite - A4 - 2010

O cara chegou! Está na cidade para começar sua turnê. Lenda viva do Rock, integrante do grupo mais famoso do mundo, ele continua tão na ativa como quando estava integrando os Beatles.

Não pude deixar passar a oportunidade e fazer alguma coisa com ele. Uma caricatura rápida que saiu de primeira. Nas fotos que encontrei, ele me lembrou muito o Roberto Carlos, talvez pela idade similar e pela influência de ambos em seus respectivos países.

Com respeitados 68 anos o cara ainda detona.

Neste trabalho utilizei uma folha rascunho e o excelente lápis Koh I Koor.

Seja bem vindo Paul!

Paul também é pintor, alguns de seus trabalhos podem ser vistos aqui. Felizmente ele é bom mesmo como músico!

Abaixo alguns detalhes desse adorável trabalho.

Natureza Morta - Still Life

2010-11-06T01:00:00.003-02:00

Natureza Morta - Aquarela - A4 - 2006

Para abrilhantar um pouco o blog, posto novamente um pouco de cor. Nada melhor do que uma bandeja de frutas perfumada e colorida. Em um lindo dia ensolarado resolvi pintar essa bandeja com as frutas da estação naquela época. Ao montar uma composição dessas é preciso ter em mente o esquema de cores. As laranjas ao centro ficaram com uma cor muito similar as bergamotas. A bergamota com o talo longo está mais sombreada para ajudar a separar as coisas. As pequenas maças a esquerda ajudam a balançar o peso das bergamotas e as bananas douradas também ajudam. Embora ainda tímida essa aquarela apresenta alguns elementos que eu vinha buscando na época. O que falei no tópico anterior: Ousar um pouco mais.

Caveira - Skull

2010-11-03T01:00:00.001-02:00

Caveira - Mídia Mista - A4 - 2010

Discussões sobre como desenhar uma caveira sempre estão na pauta dos artistas. Dependendo do resultado desejado, muita coisa pode acontecer. Se for um desenho realista o desenho precisar ser fidelíssimo então essa não é a forma correta. Se for uma caricatura, ou um desenho estilizado, outros caminhos podem ser tomados. Como eu não estava fazendo nada para ilustrar um livro de medicina, um caminho mais informal foi tomado.

Fiz o desenho a lápis comum , utilizei lápis carvão para dar a ideia de sombra, caneta pincel para arte final (esse material, embora prático, ainda não me agrade totalmente, mas até serve para esse tipo de trabalho) e uma caneta técnica 0,5mm. Ao seu lado pode-se ver outros estudos a parte que são basicamente abstratos, apenas para testar a caneta e a técnica. Não tenho muito o hábito de fugir dos materiais tradicionais ou misturá-los, mas isso pode levar a formas originais de se trabalhar. Um artista não pode parar de experimentar, eu sei, mas nem sempre é fácil, ou se tem tempo. Mas vale a pena arriscar e ousar. Nosso trabalho sempre ganha com isso.

Chiaroscuro II

2010-10-31T21:21:00.002-02:00

Estudos - Grafite e Pastel Seco - A4 - 2010

Há uns meses postei a primeira postagem sobre chiaroscuro. Tu podes vê-la clicando aqui

No desenho anterior usei um lápis pastel para realçar as áreas de luz. Após pouco mais de um mês o branco havia evanescido.... Imagino que a umidade possa ter sido a causa. Há poucos dias peguei esse trabalho e o branco estava lá, sem vivacidade alguma, aparecendo apenas contra a luz. Felizmente havia comprado um pastel seco branco e retoquei. Ficou bem vívido e ao escanear ficou bem bonito. Novamente eliminei as cores do papel e deixei em preto e branco. Não lembro quem era o senhor idoso, mas sua expressão, barba e cabelos branco deram um excelente retrato.

Pintura Histórica - Historical Painting

2010-10-27T01:00:00.002-02:00

Victor Meirelles de Lima

Quando o cara foi para a escola de artes (ele esteve na França e Itália) deparou-se com um currículo bastante exigente. Olha a cara dele e vê se ele achou ruim.

Normalmente o processo de aprendizado se reduzia a 4 etapas:

          1 - Cópias de bustos e estátuas de gesso;
          2 - Modelo vivo - geral;
          3 - Modelo vivo - partes;
          4 - Roupas e drapeamento.

          O nome da matéria estudada era Pintura Histórica. Tinha até regras a serem seguidas segundo o estatuto da escola:

          Programa de estudos da aula de Pintura Histórica:

          art. 1º - Estudos de pintura copiando bustos em gesso, depois natureza morta, exercitando também cores;
          art 2º - Alunos aptos no primeiro ano estudarão o modelo vivo;
          art 3º - Quem frequentou mais de um ano na Pintura Histórica vai começar a estudar o modelo vivo , estudando também suas partes. Posteriormente as roupas e assim que possível composição de quadros históricos. Nesse ponto a escola deverá fornecer o que for necessário ao estudo do aluno, modelos, vestes, acessórios em geral.
          art 4º - Aula de 4 horas diárias, após isso se desejarem podem continuar estudando se o professor assim permitir.
          art 5º - O estudo diário do modelo vivo durará 3 horas.
          art 6º- O professor lecionará aos alunos 3 vezes por semana.

Agora vou comentar sobre os processos da execução da pintura, se alguém conhece William Bougueareu vai ver que a metodologia de ambos era bastante similar, o aluno chegava, desenhava e pintava, certamente era o currículo utilizado naquele período.

           Processo de execução da Pintura Histórica:

          1 - Executar o esboço (se necessário o professor indica as correções);
         2 - Desenhar a carvão ou crayon e fazer estudos parciais dos personagens que entrariam na composição;
          3 - Combinar os desenhos e os pintar em tela a preto e branco;
          4 - Dar-lhes cor.

          Fonte:
          ROSA, Angêlo de Proença e outros, Victor Meirelles de Lima (1832-1903) Prefácio de Alcídio Mafra Souza. Rio de Janeiro, Pinakotheke, 1982.

Victor Meirelles de Lima

2010-10-23T01:00:00.006-02:00

A Primeira Missa do Brasil - Óleo - 2,70m x 3,57m - 1860

Victor Meirelles de Lima nasceu na cidade de Desterro. Conhecemos essa cidade atualmente pelo nome de Florianópolis em Santa Catarina. Ainda jovem viajou para a Europa. A Primeira Missa foi pintada lá e não aqui.

Por quase dois meses ela foi exposta no Museu de Arte do Rio Grande do Sul.

Um sucesso.

Curiosamente quando via essa obra nos livros de história no tamanho de um selo eu não tinha ideia de sua dimensão real. É gigantesca e grandiosa.

Essa obra foi danificada quando foi para uma mostra nos Estados Unidos e voltou num estado deplorável. Ninguém assumiu a paternidade do estrago.

Um excepcional trabalho de restauração ocorreu em 2006 e nessa mostra do MARGS teve todo o processo exibido através de fotografia e painéis explicativos. Esse trabalho valeu cada centavo e o empenho de uma equipe altamente especializada, competente e apaixonada.

Só quem viu ao vivo essa tela tem ideia da beleza e da qualidade do artista. Qualidades cada vez mais difícil de se encontrar juntas.

Não é a toa que a obra está avaliada em espantosos - e merecidos - três milhões de dólares.

Na próxima postagem vou falar um pouco do que o cara aprendeu lá na Europa.
Esse trabalho pode ser visto no Museu Nacional de Belas Artes no Rio de Janeiro.

Ultravioleta - Ultraviolet

2010-10-20T01:00:00.002-02:00

Ultravioleta - Digital - Arte Randy Green - Rick Ketcham - Teste de cores por Alcode

Em abril deste ano postei isso daqui. Nessa mesma época em que fiz vários testes encontrei esse desenho dessa personagem que desconhecia. Pelo que pude perceber numa rápida pesquisa na internet sua roupa é branca. Dar cor ao branco é algo bastante complicado. O branco nao é apenas branco.Também testei aplicando umas texturas na pedra.

Não me pergunte como fiz isso, faz tanto tempo que nem lembro mais. De qualquer forma é bem divertido fazer esse tipo de estudo.

Paisagem Urbana - Cityscape

2010-10-16T01:00:00.002-03:00

Paisagem Urbana - Grafite - A5 - 2010

Recentemente meu filho recebeu de tema de casa a espetacular façanha de produzir um desenho de observação, cujo limite da folha era o limite da janela.

Louvável tarefa de artes para uma escola não particular. Claro que a tarefa não é tão prazerosa para meu filho como desenhar o sanguinário espartano Kratos mutilando impiedosa e cruelmente seus adversários, mas mesmo assim era necessário realizá-la.

Sentei-me ao seu lado e começamos a discutir e desenhar. Falei sobre a área da folha e o que colocar nela, dando uma noção espacial dos objetos.

A professora pediu para desenhar tudo o que vissem, mas recomendei apenas a colocar as coisas que achasse importante e interessante. No lugar de um outro prédio do outro lado da rua com muitas janelas, grades, tijolos a vista, vegetação, vizinhança, fios elétricos, antenas e um céu azul, deixamos a folha em branco..

Também não foram retratadas todas as árvores pois demandaria muito tempo.

Como esse blogue é da minha pessoa e não do meu principal cliente, posto apenas meu trabalho. :-)

Parabéns para a professora em propor um desafio tão grande e instigar as crianças a aprender a enxergarem o que estão olhando.

Cavalo - Horse

2010-10-13T01:00:00.004-03:00

Cavalo - Grafite - A5 - 2010

Numa tarde ensolarada de sábado fui na praça ao lado do condomínio para rabiscar alguma coisa que estivesse ao alcance da visão.

Já sabia que iria retratar a vegetação local mas eis que me deparo com um cavalo pastando alegremente perto do banco onde sentei. Pus-me então a retratá-lo. Descobri que animais são péssimos modelos.

Eles não param quieto.

Tive que esperar ele comer bastante e voltar a sua posição inicial para concluir o retrato do amável bucéfalo.

Um bom exercício. Vejo muito defeitos e sinto falta de mais detalhes, mas só a prática para corrigir esses problemas.
Espero encontrar esse modelo em breve.

Giz de cera - Chalk

2010-10-09T23:00:00.002-03:00

Loira - Giz de Cera - A4 - 2005

Em uma quase homérica reflexão sobre material e habilidade artística, verifiquei que um bom artista pode tirar o máximo do mínimo, ou seja, uma pessoa com uma razoável habilidade artística e criatividade pode fazer com um material barato, ou escolar, um trabalho interessante, um bom trabalho.

Com essa ideia em mente, fiz há alguns anos um desenho baseado em uma fotografia de uma revista, com giz de cera da loja de um e noventa e nove, que certamente não custou apenas isso. O material era bastante rígido mas apresentava uma boa cor (não boa a ponto de ser excelente, apenas boa no sentido de ser reconhecível após sua aplicação).

O material deu um pouco de trabalho mas consegui cumprir o objetivo do meu estudo. Isso nos leva a um segundo ponto a refletir:

Leva-se mais tempo para obter um resultado com um material inadequado do que com um material adequado. Como reza a lenda : " A ferramenta certa para a tarefa certa".

Para citar como exemplo as tintas de tubo, com materiais mais adequados, e que são mais caros, economiza-se tempo na mistura das cores e na quantidade da mistura. A grosso modo podo afirmar que se um pintor pintar duas telas iguais, sendo uma com tinta de melhor qualidade e outra com a tinta mais barata do mercado, ele levará menos tempo e menos material para realizar a tarefa usando o material de melhor qualidade.

Isso é um ponto a considerar, mas não posso deixar de lado que a qualidade superior de um material profissional vai ter efeito no resultado final. A tinta mais cara tem maior qualidade, maior durabilidade, maior miscibilidade, maior estabilidade, maior resistência a luz e por isso maior permanência, melhor adesão ao suporte e melhor acabamento.

Se puder utilizar o melhor material disponível, faça isso. Fazer um bom trabalho já é bastante complicado com o melhor material.

Se não puder usar o melhor, as empresas como Winsor & Newton, Talens, Maimeri, Golden, Lukas e tantas outras tem a linha estudante, que também é de ótima qualidade. Essa linha estudante seria o plano B. Já usei essas tintas e são ótimas, superiores a qualquer marca nacional e duram bastante.

Se ainda assim quer pintar e não tem condições, ainda temos as tintas, pincéis ou materiais mais baratos, vão servir para a boa prática e o aperfeiçoamento.

Além disso, ao conseguir se adaptar ao material barato, quando pegar um material de melhor qualidade vai ver que o esforço em lidar com ele será amplamente recompensado, pois como citei no começo obterá o máximo do mínimo, porém desta vez o máximo resultado do mínimo de material.

Lápis - Pencil

2010-10-06T01:00:00.002-03:00

Como os lápis são feitos.

Este vídeo mostra como os lápis são feitos. Incrivelmente não fazemos ideia de como essa maravilhosa ferramenta é produzida. Uma mistura de grafite e argila, combinados nas mais diversas proporções e cozidas a altas temperaturas ajudam a criar os diferentes graus de dureza do grafite:

H - São os grafites mais duros. A sigla deriva do inglês: Hard (duro). Os grafites H tem mais argila em sua composição e por isso não gastam tão rapidamente, demoram mais a perder sua ponta e o traço fica quase imperceptível. Esse grafite tende a sulcar o papel.

B - São os grafites mais macios. A sigla deriva do ingês: Black (preto). Os grafites B tem menos argila em sua composição e por isso desgastam mais em contato com o papel. Como o grafite esfarela muito facilmente em contato com o papel ele não o sulca (a menos, claro, que se faça mais força com a mão)

Conheço gente que gosta mais dos lápis H, ou HB que são os mais rígidos, mas conheço gente que prefere os B, meu caso, visto que faço o traçado muito leve e ele normalmente fica quase invisível. Por este motivo prefiro os lápis 2b ou 3b.

Quanto ao peso os lápis são imbatíveis, nada é mais leve que um lápis para desenhar. (bem, na verdade carvão é, mas no mundo moderno a gente não usa carvão para escrever na escola ou empresa). Normalmente eu costumo usar lapiseira, pelo mesmo motivo que tu a uses: praticidade de transporte, não é necessário estar apontando uma lapiseira por causa de seu grafite fino e a maioria dos seus colegas deve ter uma com um grafite compatível.

Tenho meus lápis aqui e quando faço um desenho gosto de utilizá-los. Estou gostando muito da caríssima marca Koh-i-noor, mas tenho aqui os sempre fiéis Faber-Castell, aquele verdinho. Curiosamente não tenho os Steadtler do vídeo, mas tenho uma lapiseira Mars , cujo grafite que a alimenta é Faber-Castell B.

Vale lembrar que, segundo o Beakman, um lápis pode escrever uma linha contínua por 5 quilômetros. Isso dá pra encher um caderno de desenhos!

Felizmente, na sua grande maioria, os lápis são baratos e nos permitem exercer nossa criatividade, portanto podem gastar grafite a vontade para escrever, desenhar e até mesmo pintar. :-)

Retrato e Auto-Retrato - Portrait and Self-Portrait

2010-10-02T22:00:00.004-03:00

Pai e Filho - Digital - 12,7x16,9cm - 2005

Sim, é possível fazer um retrato e auto-retrato ao mesmo tempo. Meu filho adorava passear na "catunda", mas assim como Milo de Crótona, senti o peso nos ombros. Fi-lo sobre meus ombros com minhas ferramentas preferidas de trabalho.

Na mão esquerda espátula, lápis e pincel.

O sinto de utilidades Jedi com a caneta de luz.

Usei um programa bitmap e um vetorial para a realização desse trabalho. Nenhum dos dois ficou realmente parecido, mas é aquele trabalho que a gente olha com prazer pois tem essa historinha bonitinha.

Leiaute de hq - Comics layout

2010-09-15T22:06:00.003-03:00

Estudo HQ - Grafite - A4 - 2010

Em maio deste ano atendi um pedido muito especial para um jovem apaixonado. Ele passou o texto do que tinha em mente e eu esbocei com base nele. Algumas dúvidas que tinha já estavam nesse estudo e outros seguiram. Muitos emails e fotos de referência e o resultado, que tenho muito orgulho, pode ser visto aqui.

Eu estava com vontade de postar na época mas quis deixar para depois para não poluir demais aquele tópico. Outros estudos aconteceram nesse meio tempo, mas acho que esse que demonstra o leiaute das páginas em formato bem esquemático dá uma ideia do que será desenvolvido.

Embora o estudo pareça bastante primitivo ele já apresenta a riqueza do texto que veio bem detalhado. Quando costumo fazer um esboço, aquele que é só pra guardar uma ideia, o faço de forma muito simplificado mesmo, apenas para capturar a ideia. Quando tenho tempo de retomar tenho liberdade de adicionar ou retirar o que considero importante. Se fizer um esboço demasiadamente detalhado posso ficar preso aquela criação e acabar não mexendo depois. Mas um esboço é apenas a captura das imagens. Comentarei mais sobre isso adiante.

Rocker

2010-09-11T01:00:00.002-03:00

Rocker - Grafite - A4 - circa 2005

Recentemente enquanto separava material para o Al Blog, deparei-me com algumas histórias em quadrinhos e material antigo. Por coincidência enquanto escaneava estas páginas verifiquei que o escritor do excelente texto que serviu de base para este trabalho, JF Alves, recentemente havia se tornado um fiel seguidor do blogue. Dono de uma narrativa introspectiva e dinâmica o cara ainda tem tempo para ter uma banda de rock.

Rocker é um cara comum que ama o bom e velho rock'n'roll e tem a sorte de atingir o estrelato. Acaba seduzido por um sistema que o corrompe e o manipula.

Uma história que vemos todos os dias na tv, e não só com músicos, infelizmente.

Se tiver paciência de acompanhar os desenhos, vai ter uma noção do que JF escreveu e eu tentei retratar da melhor forma possível.

Também fizemos um estudo para outro projeto que acabou não progredindo. Depois posto se achar., essa outra era mais legal por quê tinha elementos de fantasia envolvidos na história.

A Fera - The Beast

2010-09-08T01:00:00.002-03:00

Tricerátopo - Óleo - A5 - 2010

Quem leu o tópico anterior já deve ter suspeitado pelo seu título o que estaria por vir. Do outro lado desta folha A4 está um tricerátopo. Fiz esse estudo baseado em um brinquedo. Foi uma pintura de observação feito sobre minha mesa, com esta iluminação contra-luz. Agora não lembro se fiz um esboço direto com pincel ou desenhei algo...

Esse tipo de iluminação é complicado, é preciso ter um certo domínio teórico e prático para realizar. A iluminação da pintura do tópico anterior é mais fácil pois não lida com alguns tipos de problemas encontrados aqui.

Sem falar que tinta a óleo é muito bom!!!

Tem que ser fera para usar!

Ô trocadilho infeliz... :)

A Bela ...- The Beauty...

2010-09-01T01:00:00.008-03:00

Loira - Óleo - A5 - 2010

Pintei essa jovem moça que ilustrava um encarte de jornal na parte de produtos de beleza.

Um estudo rápido, sem cuidado para a anatomia, eu estava interessado nas cores. Dá pra perceber que toda a pele dela tem um mesmo tom, o que acaba empobrecendo a pintura. A culpa é da maquiagem exagerada (mesmo que não aparente nas fotografias elas usam maquiagem). Pra piorar o encarte é feito com papel barato e impressão barata. Então não posso exigir muito das modelos que ali aparecem.

Aliado a isso o fatídico fato do scanner que não captura direito as cores.

O mesmo acontece com as fotografias profissionais de pinturas profissionais. É complicado captar toda a nuance de tons e qualidade técnica da pintura em fotografia. Claro que dessa forma podemos ter uma boa ideia do que estamos perdendo. :)

Por incrível que pareça o melhor equipamento de captura de imagens é o olho humano.

Mesmo quando a gente usa óculos, como no meu caso.

Por isso é importante ver a pintura ao vivo, no museu. Só lá vai ter toda a qualidade ao seu dispor.

Há pouco tempo tivemos no Margs a primeira Missa do Brasil, do Victor Meirelles, um cara que vai ter um a postagem só dele em breve. A tela é imensa 2,70m x 3,57m. Possivelmente um dos trabalhos nacionais mais reproduzidos em livros de história, assim como o Grito do Ipiranga (o nome da tela é Independência ou Morte, pintado por Pedro Américo de Figueiredo e Melo). Claro que quando vemos no livro de História na escola a imagem tem o tamanho de um selo e não damos muita bola. Mesmo professores de história devem levar seus alunos no museu para que eles possam entender o que eles estão estudando.

Já fui além do meu assunto. Apesar de citar o trabalho como A5 a folha é tamanho A4, mas de um lado desenhei a Bela, do outro...

Lírio Mario da Costa - Costinha

2010-08-28T01:00:00.003-03:00

Costinha - Grafite - A4 - 2010

O senhor Lírio Mário da Costa pra quem não sabe é o Costinha, meu humorista favorito.

Fazia muito tempo que queria fazer algo com ele, como fiz com o Tião Macalé, contudo não achava imagens legais de referência. Achei o que procurava no U-Tubi.

Infelizmente com uma qualidade péssima. As imagens encontradas no São Gúgol também não eram lá grande coisa.

É complicado caricaturar o cara. Lembro ele por suas caretas, mas fazer um desenho de uma careta é bastante complicado. Captar a essência de uma careta não é fácil, então optei por uma outra abordagem. Fiz várias ilustrações e a que saiu menos pior foi essa.

Sinto que tem que melhorar, mas como esse resultado foi-me satisfatório resolvi postar.

Quadrinhos - Comics

2010-08-25T01:00:00.002-03:00

Quarto 666 - Grafite - A4 - 1997

No longínquo ano de 1997 fiz meu primeiro teste de história em quadrinhos. Embora eu goste muito de histórias em quadrinhos é algo que não sei se teria saco para fazer. Dá um trabalho do cão. Gosto de vários estilos. Resolvi fazer estas quatro páginas para ver o que acontecia., se conseguia enganchar um quadrinho no outro e uma página a outra, conforme preconiza os ensinamentos de Will Eisner em seu livro de Arte Sequencial.

Existiu uma quinta página, mas como ficou muito tosca ela foi sumariamente destruída.

A história conta a saga de um policial em missão e como destrui a última página fica ao seu critério pensar o que pode ter acontecido no desfecho desta eletrizante narrativa. Como gosto muito de alguns artistas e nesta época um artista que me agradava era Greg Capullo, que em determinado momento desenhava Spawn, fiz algo utilizando alguns elementos que não sei se ele criou, mas que achei uma receita interessante, como no caso das veias que aparecem sobre os músculos do cara. Esses artistas de hq (americanos, nem todos claro) fazem os caras com 1% de gordura sempre, então dá pra ver músculo, veia e estriamento muscular a tal ponto de que se um cachorro ver o herói saboreando uma maça vai sair correndo de tanto medo da visão aterradora dos músculos da face do elemento trabalhando.

Como disse lá em cima, essas páginas foram feito em formato A4 com grafite 0,5 o que permite um maior nível de detalhamento com traços finos. Essas páginas são tão antigas que as páginas estão bastante amareladas, problema que resolvi no escaneamento ajustando o contraste da imagem.

Vendo hoje essas páginas percebo que não tinha conhecimento suficiente para variar ângulos e perspectivas, o que tornaria a história bem mais agradável. Antigamente me agradava esse formato mais realista de trabalhar, hoje nem tanto.

Acho que já citei aqui no Al Blog o quanto é legal ver os trabalhos antigos depois de um tempo, eles contam a história de nossa evolução como artista.

Troll

2010-08-22T10:25:00.001-03:00

Troll - Grafite - A4 - 2010

Quando o filme Senhor dos Anéis foi lançado, foi uma grande revolução. Primeiramente pela aventura épica que ganhava vida com personagens reais em lugares idílicos. A outra revolução foi a tecnológica. Personagens e cenários gerados por computação gráfica atuavam de maneira bastante natural com personagens reais, e em certos momentos até mesmo os personagens reais eram substituídos por personagens gráficos sem que ao mínimo percebêssemos. Claro que ao olhar para um filme um quaquilhão de vezes, percebemos essas coisas.

Um dos meus personagens favoritos foi o Troll, uma criatura sinistra que obedece aquele clichê cinematográfico e também históriaemquadrinhográfico: Quanto maior o cara, menor sua inteligência. No livro O Hobbit os trolls são criaturas com inteligência (mas não muito, claro).

Fiz esse desenho e um Nazgul, que também gostei bastante, mas posto outra hora.

Não fiz um retrato fiel do filme, fiz do meu jeito. Ficou bastante humanizado

Dois anos mais tarde, quatro anos atrás, fui pintá-lo, mas havia um problema, adicionar um fundo. Como no filme citava "troll das cavernas" fiz ele em seu habitat natural. Percebam que modifiquei algumas coisas.

Insiro aqui uma montagem que mostra o que eu tinha e o que foi criado depois e alguns detalhes. Nesse caso, mesmo um fundo mais simplificado exige um conhecimento mínimo de perspectiva para que não fique com um aspecto esquisito.

Quando a pintura toma uma proporção maior, ao ser reduzida ela perde muitos detalhes, por isso é bom ver os trabalhos no original. Ao deixar essa pintura no tamanho original de 3500 pixles de largura por 3147 pixels de altura, ou 29,63cm de largura por 26,64cm de altura (quase um A3) e ver a imagem que postei que tem aproximadamente 551 x 495 pixles percebe-se o quanto se perde na compressão do arquivo.

Tenho a imagem finalizada impressa em tamanho 26x23 e a imagem tem um brilho pelo papel e pelas cores utilizadas.

Estudos com Nanquim - Black India Ink Studies

2010-08-18T01:00:00.004-03:00

Estudos com Nanquim - Nanquim - A5 - 2010

Dando continuidade aos estudos realizados com Nanquim comecei a analisar o trabalho dum cara que lida com histórias em quadrinhos e trabalha basicamente com preto (e branco do papel). Eu estava afim de estudar o preto e branco, mas não dos caras clássicos e sim de algum contemporâneo, para variar um pouco. Conheço seu trabalho há alguns anos e recentemente comprei um livro com seus trabalhos. O nome dele é Mark Schultz e até o presente momento ele não tem site, para piorar ele tem um homônimo que lida com outro tipo de arte, a música. Não se confunda. O original é ilustrador e escritor. Além de desenhar bem pra caramba o cara escreve suas histórias. Um quadrinista autoral. Atualmente está escrevendo as histórias do Príncipe Valente. A mais importante saga dos quadrinhos mundial de todos os tempos. Para se ter uma ideia, Príncipe Valente é de 1937, um anos antes do Super-homem e dois antes do Cavaleiro das Trevas, se não me falha a memória. Foi inicialmente criado por Hal Foster que queria criar suas próprias histórias. Nesse momento um outro grande nome surge: Burne Hogarth, mas é assunto para outra postagem. Se for falar de Hal Foster vou precisar de outro blogue, porquê esse é outro dos bons duma excelente safra dos ilustradores do século XX.

Voltando ao assunto do Nanquim. Mark Schultz trabalha com pincel, pincel seco e bico de pena. Como era feito tradicionalmente, porém com uma abordagem menos rebuscada, porém igualmente cativante. Para quem acreditava que não se ilustrava mais em preto e branco, o cara faz isso com maestria. E fica muito bonito num livro impresso. Imagine num livro eletrônico! Gostaria de dizer que o trabalho dele é original, mas não acredito que seja. Seu traço me lembra em muito a época de quadrinhos do recentemente finado mestre Frank Frazetta , ele tenta emular o mesmo estilo, com parafernália tecnológica retrô, felizmente seu traço tem singularidade. E suas histórias de Cadilacs e Dinossauros são muito interessantes.

Eu já havia feito alguma coisa nesse sentido, porém fazia muitos anos que não usava Nanquim. É uma linda tinta e ao explorá-la com pincel chato, uma coisa que nunca havia feito, descubro novas possibilidades para uma velha receita. Existe também alguns estudos de aguada. Nanquim, como já devo ter citado no Al Blog ainda é muito utilizado pelo pessoal que faz histórias em quadrinhos. Dá um fino acabamento ao lápis, adicionando beleza ao trabalho impresso. Muitos tem feito arte final digital, mas se valoriza muito o traço feito de forma tradicional também.

Estudando os Mestres - Master Study

2010-08-14T01:00:00.006-03:00

Estudo - Acrílico - A5 - 2010

Aprendemos por repetição.

Copiando o que vemos e ouvimos.

Assim que as crianças aprender a falar.

Elas são corajosas.

Imagina se alguém chega e te larga lá num país sem tu nunca ter aprendido a falar uma única palavra . Um adulto entraria em pânico. E ninguém teria paciência de ensinar a ele o idioma como se ensina a uma criança.

Artistas também aprendem por repetição. Praticando e praticando.

A última postagem do Super Pato me fez lembrar uns 30 anos atrás, com uma revista em quadrinhos de patos em mãos, eu e meu irmão fazíamos cópias. Incansavelmente. Sim, meu irmão era um excelente desenhista. Lembro vagamente de analisar meu desenho com o da revista em quadrinhos para ver se estava "perfeito". Acho que estava.

Esses foram os primeiros contatos com cópia. Não se copia como uma máquina copiadora. Se copia em busca de um entendimento do que foi feito e como se chegou aquele resultado. Não apenas isso, mas também o que pode ser feito para corrigir eventuais erros e melhorar o seu trabalho.

Antes de começar mais um dia de trabalho, Chopin se exercitava por uma hora ou duas tocando Well-Tempered Clavier de Bach, com o objetivo de absorver a essência do mestre. :)

Artistas também podem e devem fazer o mesmo. Pegue obras clássicas, ou de seu agrado e faça um pequeno estudo colorido para ter um entendimento do que foi feito.

Fiz este estudo baseado no trabalho dum Húngaro pra lá de phodão: Gyula Benczúr. Quer ver o trabalho do cara? Dê uma Googleada.

Estudo feito com acrílico sobre papel. Fiz um rápido esboço com caneta e comecei a pintar com algumas cores na paleta.

Sendo feito deste tamanho não é possível pensar em detalhes. A gente pensa mais na composição e na harmonia de cores; na solução encontrada pelo artista com uma composição agradável aos olhos.

Alguns museus, mas só os chulés, como o Louvre, permitem que tu coloque teu cavalete na frente dum trabalho clássico e faça uma cópia. Imagino que tenha que ter alguma autorização para isso, naturalmente, mas é possível estudar avidamente grandes trabalhos e aprender com eles.

Mas isso é só pra museuzinho. Museu sério como os nossos aqui no Brasil não permitem isso. (Bem, não sei ao certo, mas nunca vi ninguém aqui no Margs fazendo isso, não sei quanto aos outros estados. Se alguém souber me avise que atualizo este tópico com o devido crédito.)

Super Pato - Paperinik

2010-08-11T01:00:00.003-03:00

Super Pato - Grafite - A5 - 2010

Normalmente escrevo os títulos das minhas postagens em português e inglês, mas desta vez ao procurar o nome original do personagem descobri que ele é italiano.

Curiosamente na minha rápida pesquisa pela Wikipédia não me mostrou o nome em inglês, e uma rápida Googleada com o nome Superduck apresentou-me outro personagem.

Muito dos quadrinhos Disney que lemos no Brasil ou são feitos aqui mesmo ou são feitos na Europa. Não quer dizer que artistas naturalmente americanos não os desenhem. Keno Don Rosa é o melhor exemplo. Paradoxalmente a Disney estadunidense não produz e atualmente não está publicando quadrinhos. Ela não é uma empresa de quadrinhos.

Disney é uma indústria de Entretenimento. :)

O motivo de postar o Super Pato, alter ego do querido Pato Donald é que ele foi a causa do recente acidente envolvendo tinta Nanquim aqui em casa, já explicado há algumas postagens. Vi uma revista no supermercado e não resisti. Sempre gostei do Super Pato e quis apresentá-lo ao meu filho.

A ideia era desenhar rapidamente e fazer uma arte final no estilo do desenho. Bem, o desenho está pronto. Só falta arte finalizar!

Modelo Vivo - Life Model

2010-08-07T19:41:00.035-03:00

Modelo Vivo - Carvão - A5 - 2010

Na última postagem falei de chiaroscuro. Disse que poderia ser feito com carvão. Carvão é uma mídia ideal para estudos e para desenhar esboços numa tela, por exemplo. Também é uma forma de arte em si. Existem excelentes trabalhos feito com ele. Um dos motivos de ser usado por artistas é por sua fácil correção. Basta passar a mão e já está (quase) tudo limpo. Não dá para usar borracha na tela. : )

Uma excelente artista que agora está no acervo do Margs é a Angelina Agostini. Sim, ela é filha daquele outro famoso membro da família Agostini: Ângelo.

O carvão por suas características é muito sensível e demanda muito cuidado na conservação de trabalhos realizados com ele. Existem vernizes específicos para grafite e carvão. Existem alguns livros (não sei se em nosso idioma) com técnicas de como realizar belos trabalhos com essa mídia.

Chiaroscuro

2010-08-01T20:21:00.003-03:00

Estudos - Grafite e Giz Branco - A4 - 2010

Há alguns meses comprei um pacote de papel reciclado com o intuito de imprimir documentos para uso pessoal. Naturalmente, também está sendo usado como papel tonado para desenho.

Fiz alguns esboços baseados em fotos de jornal e dei um toque de luz com um lápis-pastel branco.

Há alguns séculos essa técnica é usada como forma de estudo de luz e sombra, ou como se chamava antigamente: chiaroscuro. Consiste no estudo do volume através do contraste do claro e do escuro, como o próprio nome sugere. O escuro pode ser feito com lápis, como fiz, com carvão, com aguada de Nanquim ou com Nanquim puro. A luz pode ser feita com giz branco como foi utilizado nesse estudo, ou se o papel for numa gramatura a partir de 200 gramas, com guache ou acrílico. Pode ser feito com óleo também. Antigamente se fazia um estudo tonal imediatamente antes da pintura com o intuito de solucionar determinados problemas que poderiam acontecer no decorrer da pintura com cor. Também era feito em busca de um maior efeito de luminosidade na pintura final e de mais profundidade nas sombras. Lembrando que antigamente os pigmentos não tinham a pureza dos atuais e se pintava de uma forma diferente justamente por não se conseguir os efeitos da forma como eles acontecem hoje em dia.

Muito se especula da forma como se pintava há quinhentos anos. As tintas mudaram e os artistas também. O que se faz hoje é adaptar o conhecimento remanescente dos tempos doirados às novas mídias, criando uma forma de arte muito mais bonita e natural.

Esse tipo de estudo pode ser feito sobre papel de preço acessível como o jornal e o craft ou sobre os mais nobres, como o canson Mi Teintes em diversas cores, ideal para trabalhos com pastéis.

Caricatura - Caricature

2010-07-25T22:35:00.002-03:00

Caricatura- Aquarela - A5 - 2010

O computador pifou.

De novo.

É estranho perceber como nos acostumados a viver conectados a lá Mêitricz. Quando o computador pifou tive tempo para brincar com mídias tradicionais e descobrir coisas novas. Li essa semana em um jornal - online - que daqui a 50 anos as pessoas estarão ainda mais conectadas.

Como o tornozelo de um prisioneiro e uma bola de ferro.

Por isso gosto tanto de tinta de verdade.

Essa aquarela foi feita há alguns meses e como normalmente faço, vou postando a medida do possível.

Ou quando o computador não está pifado.

Sempre tentando melhorar um pouco as cores.

Ursomem - WereBear

2010-07-11T20:04:00.003-03:00

Ursomem - Grafite - A4 - circa 2003

Quando descobri a Internet e posteriormente a Central de Quadrinhos, eu não tinha nem scanner e nem sabia o que era fórum, tampouco fotoxópis ou pêinter. Desenhar era uma coisa feita muito esporadicamente, apenas no tempo livre do tempo livre.

Achei o lugar muito interessante e rico em conhecimento, como ótimas propostas e excelentes trabalhos, assim como excelentes artistas.

Havia em torno de 200 usuários cadastrados.

Não lembro quem, fez um comentário sobre a habilidade de desenhar, dizendo que desenhar era "fácil" - não fácil no sentido de ser molezinha, mas fácil no sentido de que retratar qualquer coisa que exista, como uma paisagem, um modelo ou qualquer coisa que está diante do artista fosse menos difícil de fazer do que criá-la de imaginação.

Como se pintar ao ar livre, ou um modelo vivo, ou uma natureza morta fosse muito fácil.

Adendo:

Nos anos 90, quando a Disney ainda tinha a divisão de desenhos 2d, e eles estavam sempre a procura de novos artistas, o artista interessado em ingressar no estúdio deveria apresentar um portfólio de trabalhos como pinturas ao ar livre, modelo vivo e natureza morta. Eles diziam que depois ensinariam a desenhar o Mickey, mas era necessário sólidos conhecimentos em artes, pois o nível das animações Disney estavam altíssimas.

O Mickey é uma criatura que saiu da imaginação de um carinha chamado Ubi Iwerks ( e, naturalmente, Walt Disney), paradoxalmente, Sr. Iwerks mal concluiu o ensino médio.

Fim do adendo.

Lembro que ele citou sobre um desenho de um menino que se transformara em urso e sobre demonstrar essa transformação em uma ilustração. Tentei fazer esse desenho e ver no que dava.

Eu pensei que esse desenho nem existia mais. Foi feito no verso de uma folha rascunho.

E hoje a Central tem mais de seis mil usuários

Acidente - Accident

2010-06-27T22:27:00.004-03:00

Tricerátopo - Grafite - A5 - 2010

Sábado é dia de ir as compras.

De material artístico!

Sempre quando vou comprar material artístico compro o que não preciso e gasto mais do que deveria.

E ainda é pouco.

Nesse fim de semana comprei Nanquim chinês (barato e fedorento), três bicos de pena e dois cabos de suporte. Somando ao bico que eu já tinha, terei quatro bicos de penas, mas ainda faltam dois cabos para deixá-los todos prontos. Naturalmente material novo, ânimo novo.

Hora de se divertir e pintar e sujar a casa, mesa, chão, mãos, unhas e o que se encontrar no caminho dessa mídia interessante e fundamental para a história da arte. Oriunda da China e conhecida por lá há pelo menos dois mil anos.

Naturalmente meu pequeno pupilo adorou e decidiu se aventurar. Enquanto eu estava fazendo um desenho do Super Pato, para arte finalizar com a tinta, ocorreu o acidente. Como estávamos na sala e sempre coloco papel sobre a mesa quando vou pintar - um requisito imposto pela esposa, naturalmente. Ele levantou o papel base e o vidro virou derramando mais de dois terços da tinta preta e sujando tudo pela frente. Felizmente não caiu no chão, ficou apenas sobre a mesa. Mas sujou meu sketchbook que mandei fazer em tamanho A5 com um pacote de Canson 200gr A3 e encadernar. Boa dica para economizar :)

O mais afetado foi a primeira página que continha um Tricerátopo, aquele bichinho meigo que podia chegar até 9 metros de comprimento, 3 metros de altura e mais de 6 mil quilos. Aqueles dois chifres na cabeça tinham até um metro de comprimento. Armamento para fazer qualquer carnívoro pensar duas vezes antes de enfrentá-lo.

Como foi um acidente apenas fiquei chateado...desculpe o pai ter ralhado contigo filhão. Depois faço outro tricerátopo.

Ou qualquer outro membro da família dos ceratopsídeos.

Acidentes sempre acontecem com quem trabalha com tinta de verdade. Quem nunca deixou o lápis cair ou o pincel voar com tinta? Quem nunca virou nanquim antes? Já tomei banho de nanquim há muitos anos, virou da mesa sobre minha perna. Eca.

Mesmo a caneta da tablet sai voando de vez em quando. Por isso sempre a guarde no compartimento atrás dela, nunca no suporte, a menos quando vá usar com frequência. Quando levanto para fazer qualquer coisa boto ela atrás da tablet por hábito. Uma bola de futebol pode entrar a qualquer momento pela porta e acertá-la.

HellBoy

2010-06-20T20:26:00.004-03:00

Hellboy - Digital - 19x9cm x 29 cm - 2004

Como eu estava comentando sobre os materiais necessários para colorir um trabalho no computador e falei na mesa digitalizadora, aproveito para postar o primeiro trabalho que fiz em uma. Comprei uma tablet Wacom Graphire 4x5 em 2004 e o primeiro desenho que estava a mão era o HellBoy. Decidi colori-lo para me familiarizar com o equipamento.

É uma experiência muito estranha riscar na tablet e ter que olhar para a tela do computador. Enquanto que digitar num teclado e olhar para a tela do computador é mais ou menos parecido a datilografar em uma máquina de escrever e olhar para o papel que também está a sua frente, escrever num lugar e olhar para outro foge um pouco do conceito tradicional de escrita em que nós riscamos e vemos o que acontece, até por quê a tinta sai da caneta, e precisamos analisar se o que está saindo está correto e inteligível. Na tablet isso não acontece, visto que a ponta da caneta é uma peça de silicone e o que se risca na tablet não se vê. O resultado aparece na tela do computador como que por mágica. Se a tablet e o seu programa de computador for bem configurado, o resultado vai de uma escrita bem orgânica na tela do computador até uma pincelada rica em textura, com mistura natural de cores, como se fosse tinta de verdade em uma tela de verdade.

Abaixo o desenho original que foi finalizado com tinta Nanquim e caneta. Tentei emular o estilo do criador do Hellboy, Mike Mignola.

Abaixo fiz uma montagem do trabalho de cor sobre o feito a mão para se ter uma ideia do quanto a colorização é importante para o clima do trabalho.

Abaixo um detalhe em tamanho real. Olhando agora, depois de alguns anos ainda acho interessante esse trabalho, embora certamente não o ache tão bem feito. Foi uma experiência muito interessante.

Perseu e Medusa

2010-06-13T22:49:00.004-03:00

Perseu - Grafite - A4 - 2003

          Perseu, o herói mitológico, foi um semi-Deus. Filho do próprio Zeus e da humana Danae. Um nome que não lembro de ser citado em antigos filmes como o original de Fúria de Titãs, com efeitos 'stop-motion' de ninguém menos que Ray Harryhausen. Numa rápida pesquisa na Wikipédia descobri que Danae foi retratada por artistas como: Ticiano, Jan Gossaert (não conhecia esse artista), John Wiliam Waterhouse e Gustav Klimt.
          Perseu não tinha programa para o fim de semana e foi visitar a Medusa. Medusa por sua vez queria
uma estátua nova para seu jardim, mas Perseu não gostou da idéia e utilizou seu escudo, presente de Atenas, para armar uma arapuca para a feiosa. Perseu a decapitou. A Medusa decapitada foi retratata por Caravaggio.
          Enquanto tentava escapar Perseu tem seu caminho de fuga bloqueado por Kratos. Mesmo se utilizando de sua máscara da invisibildade, presenteada por Hades, ele falha diante do Kratos, Deus da Guerra.
           Bem, é mais ou menos isso...
          Aproveitando que a saga do Perseu está na moda, posto esse desenho que foi feito para um sketch
quinzenal da Central de Quadrinhos sobre mitologia, claro que esse foi baseado no filme de 1981 e não no de 2010.
          Apesar de ter sido um saco ter desenhado as cobras da Medusa, acho que o trabalho ficou bem legal.

Presente de Aniversário - Anniversary Gift

2010-06-06T21:48:00.003-03:00

Rodrigo e Manú - Tradigital - A4 - 2010

Há pouco mais de um mês foi me solicitado um presente muito especial de aniversário de namoro por um homem apaixonado.

Sua ideia era contar numa história em quadrinhos, os fatos marcantes dos seus três anos de namoro, a ser comemorado agora em maio de 2010.

Detalhes acertados começamos o processo de produção num período que antecederia pouco mais de um mês antes da derradeira data.

O prazo aqui é crítico, pois ao contrário de um trabalho que pode haver um pequeno atraso, numa data festiva é impossível isso acontecer.

Solicitei um briefing, ou raff (eu podia dizer texto mesmo :-)) do que ele queria na história e veio um roteiro bem bonito.

Neste ínterim vieram muitas fotos para eu estudar o casal e desenvolver os personagens (e não foram poucos). Baseado no texto fiz os esboços das páginas e após as correções chegou a hora da produção.

O trabalho teve duas fases propriamente ditas:

1 - Tradicional: As páginas, bem como a capa, foram desenhadas num sulfite bem liso. Para acabamento utilizei uma caneta pincel Tombo.

2 - Depois das páginas escaneadas foi a hora de pintar com tinta de mentirinha e fazer toda a pós-produção.

Foi impresso em papel couché alta gramatura e entregue via sedex ao Rodrigo, meu cliente.

No prazo!

Eu havia solicitado ao Rodrigo um feedback de sua namorada. Veio um email emocionado falando da alegria de sua amada.

Meu coração se encheu de alegria ao ler suas palavras.

Parabéns Rodrigo e Manú!

Equipamento para colorir - Hardware for coloring

2010-05-23T22:07:00.004-03:00

Trabalho - Grafite - A5 - 2010

Dando continuidade ao tópico anterior sobre pintura digital vou falar sobre o equipamento, o hardware. Para quem não sabe a diferença de software e hardware lá vai um curso relâmpago:

Software - É a parte que a gente xinga. São os programas.

Hardware - É a parte que a gente chuta. São as peças físicas do computador.

Para colorir ou ilustrar de forma digital é necessário antes de tudo ter as ferramentas necessárias:

Computador - A recomendação mínima do fabricante do software que tu vais utilizar indica o mínimo necessário para o bom desempenho do programa em determinado computador. Normalmente nós usamos o computador para as mais diversas finalidades, vídeo, música, Internet, uma suite office o que já vai consumindo recurso do computador. Já vi gente falando que o ideal seria ter um computador com duas vezes a memória da recomendação mínima e já vi gente dizendo que o bom mesmo é ter quatro vezes a memória da recomendação mínima. Nesse caso ter memória de sobra, uma boa placa de vídeo e discos rígidos com grande capacidade de armazenamento ajudam. Existem os pc´s e os mac´s. Qual é o melhor apenas o usuário vai ter condições de responder.
Monitor - Um artista pode trabalhar confortavelmente num notebook adequado, porém suas telas são pequenas e como precisamos dividir espaço entre paletas e a tela (canvas) a área de trabalho fica muito reduzida. Prefira monitores maiores e que fiquem a uma distância confortável da sua visão e na altura adequada aos seus olhos. Não adianta ter um monitorzão e ele ficar colado no seu nariz. Os menores monitores disponíveis no mercado já são bastante satisfatórios. Existe ainda o recurso de configurar a resolução de tela, o que implica num ganho da área de trabalho.

Tablet - A mesa digitalizadora é indispensável para quem deseja trabalhar diretamente no computador. Existem em diversos tamanhos e preços. É a forma mais natural e confortável de se trabalhar com todo e qualquer programa gráfico, desde 2d até 3d. A minha boa e velha Wacom Graphire 3 tamanho 4 x 5(que não é mais produzida) tem 6 anos e já é viúva de dois computadores e diversos panes inerentes a todo e qualquer sistema operacional.

Os três equipamentos acima eu considero de primeiríssima necessidade. Os equipamentos abaixo podem ficar para o próximo presente de Natal :-)

Scanner - Se tu, assim como eu, gosta de rabiscar no papel e ouvir aquele barulhinho peculiar, então vai precisar de um scanner. Se gosta de desenhar direto no computador então esse equipamento não é uma grande prioridade.

Impressora - Sempre útil quer seja pra imprimir um teste da sua atual produção profissional ou um boleto bancário. A minha boa e velha impressora data do meu primeiro computador há mais de 10 anos. Está aqui firme e forte.

Câmera Digital - De grande valia para colecionar referências ou mesmo para registar aqueles momentos mágicos em família. Os celulares mais modernos apresentam câmeras potentes.

Quanto ao hardware eu recomendaria um nobreak. É muito chato quando acaba a luz e a gente perde grande parte do trabalho ou o arquivo corrompe. Se puder se permitir, compre um pequeno, apenas para salvar o que está fazendo e desligar o computador (basicamente um nobreak serve só pra isso mesmo).

Acho que essa era a dica para sobre hardware. Vou aproveitar e parafrasear um artista que foi aluno de ninguém menos que William-Adolphe Bouguereau; Daniel Burleigh Parkhurst em seu livro de 1898: O pintor a óleo (excelente livro, diga-se de passagem. Acho que já o li uma meia dúzia de vezes): "Ser pintor já é difícil com o melhor dos materiais, procure utilizar o melhor disponível."

Claro que nem sempre isso é possível mas sempre que puder optar por uma tinta em tubo, ou um computador opte sempre pelo melhor. Se não puder comprar um computador excelente, então compre uma tablet excelente. Se não puder comprar um software caro, use um open source. Quando as coisas melhorarem vá melhorando também. Não vai se arrepender. E lembre-se do último parágrafo do tópico anterior. Não adianta ter um grande equipamento e não ter criatividade e originalidade.

Programas para colorir - Softwares for coloring

2010-05-16T21:18:00.006-03:00

Braquiossauros - Digital - Inacabado

Como estou falando de cor digital, vou aproveitar para falar um pouco dos programas utilizados para essa finalidade. Normalmente o artista ou artisan faz seu desenho/ilustração e precisa dar cor a sua criação. Colorir (ou pintar) é um processo complexo que envolve muito mais do que a mera aplicação de cor (seja ele pigmento ou bits e bytes). Aplicar cor é fácil, mas fazê-lo de forma convincente, criando ideia de profundidade, emoção ou sensação, não é.

Desde que os computadores se tornaram populares as empresas tem desenvolvido soluções para facilitar a vida de quem trabalha com fotografia, ilustração e design.

Vou começar listando os softwares gratuitos que tem tantas funcionalidades quanto os softwares proprietários e que certamente atenderá a necessidade da maioria dos usuários. Existem muitos softwares e não saberei listar todos. Não existe melhor ou pior programa para colorir, existe o que vai atender a sua necessidade ou não. Só o próprio usuário saberá determinar qual é o melhor para si.

Alguns pré-requisitos são necessários para a pintura/colorização digital, falarei deles num próximo tópico:

1- Computador;

2 - Software da sua escolha,

3 - Tablet (mesa digitalizadora).

Programas gratuitos ou de código aberto (open source)

Art Rage - Excelente software para quem gosta de pintura tradicional. Ao clicar no link vá na parte inferior da página em Download ArtRage Starter Edition (em inglês, francês ou alemão). Programa de fácil utilização. Escolha o material e pinte na tela em branco. Existe uma versão paga com mais recursos. Incrivelmente barato, ideal para a realidade da maioria das pessoas.

Gimp - A mais poderosa ferramenta gratuita para colorir. Programa cheio de recursos e de utilização um pouco mais complicada. Um ilustrador que o usa bastante é o Mozart Couto, excelente ilustrador brasileiro que apoia enormemente esse programa. Uma nobre pessoa, muito simpático e acessível. Vale a pena dar uma olhada no blogue dele, tem muitos tutoriais e matérias.

Open Canvas - Programa japonês (tem versão em inglês) pequeno e muito poderoso. Existe uma versão gratuita mas não sei porque motivo não tem disponível no site. Tem a versão paga com vários recursos e é bem barato também.

Programas proprietários

Photoshop - Poderoso editor de imagens (é assim que a sua empresa o define) muito utilizado por ilustradores e o pessoal que colore histórias em quadrinhos. Existe a versão trial por 30 dias creio. Ele já foi utilizado por 10 entre 10 profissionais, mas o surgimento de outras opções está mudando essa realidade. Agora ele é usado apenas por 9,9 entre 10 dos profissionais. :-)

Painter - Excelente programa para quem gosta de ilustração e pintura digital. Poderoso e complexo no seu aprendizado. Versão trial 30 dias.

Existem ainda mais programas que podem ser utilizados para ilustrar ou pintar, citei aqui apenas os programas "bitmaps". Existem ainda os programas "vetoriais" que são amplamente usados para as mais diversas finalidades, tanto ilustração como design.

Ao experimentar todos esses programas poderá perceber que todos tem suas vantagens e desvantagens, nenhum deles é igual ao outro e verá que um completa o outro.

Programas são limitados. Sua imaginação não.

Cor Digital - Digital Color

2010-05-03T21:29:00.003-03:00

Poluição - Caneta Pincel - Detalhe - 2010

Há aproximadamente um ano postei um trabalho sobre poluição, que pode ser visto em sua íntegra aqui. Naquela ocasião eu estava testando uma forma mais moderna de pincel. Ontem voltei a tocar nele, mas apenas para um mero teste para mostrar para um cliente. No teste também inseri balões e testei umas fontes com acento para nosso ricamente ilustrado vocabulário. :)

Falando um pouco das cores, serão estilo comics com sombra e ainda estou pensando se terá um brilho maior ou ficará com apenas dois tons.

Como fazia dias que não postava aproveitei para mostrar como fica bonito um trabalho feito a mão com pintura digital. Quebra aquela coisa pasteurizada do digital. Sim, foi ele mesmo quem inventou os softwares gráficos: Louis Pasteur.

Pode-se ver mais dessa maravilhosa mistura de tradicional com digital sob o tag Tradigital a sua direita no blogue.

Cor Digital em HQ - Digital Color in Comics

2010-04-19T22:37:00.008-03:00

Superman 660 - Digital - Arte por Mike Manley - Teste cores por Alcode

Há algum tempo estava testando fazer cor digital no estilo quadrinho americano.

Páginas prontas para essa finalidade existem as pencas por toda a Internet. Para colorir quadrinhos tive que me aventurar pelo universo Adobiano. Usei então aquele programa preferido por 10 entre 10 coloristas profissionais de histórias em quadrinhos.

Precisei me ambientar com a interface totalmente diferente do que estou acostumado e após inúmeras horas dedicadas para cada página aí está o resultado do trabalho.

A ferramenta sem dúvida agiliza o processo, ela tem recursos bem interessantes e o trabalho final fica com um aspecto bem razoável.

Há alguns anos os coloristas tem recorrido aos mais diversos recursos desse programa específico para dar um melhor acabamento as suas páginas, tirando essa cara de "seleção-gradiente" em direção de um resultado mais artístico e orgânico, o que, no meu ponto de vista de artista e consumidor me agrada muito.

Claro que mais uma vez, nesse mercado, o prazo é algo que determina a qualidade.

A Fronteira Final - The Final Frontier

2010-04-11T21:27:00.002-03:00

Espaço II - Gouache - 20x14,5cm - 1996

Esse segundo trabalho também foi feito com guache. Dessa vez utilizei tons mais quentes no centro da galáxia, não sei se isso corresponde a realidade, nem mesmo sei se a forma da galáxia está correta perante a ciência. Creio que utilizei guache da Talens aqui, acho que só comprei os Caran d'Ache alguns anos depois e gostei muito deles. Numa rápida visita não vi os guaches, mas depois de experimentá-los ouso afirmar que são de altíssima qualidade, comparáveis aos Talens e W&N. Creio que eu usava esses guaches importados por que não havia guache ou aquarela nacional e acho que ainda não há. Não pense que essas tintas são baratas, pois não são. Essas grandes empresas normalmente tem duas linhas de produtos: Estudante e Profissional. Sim. Usei a linha estudante. São mais acessíveis (ainda assim bem mais caras que as nacionais) e com uma excelente qualidade (ainda assim de qualidade superior as nacionais). Tenho um livro que diz que até dá para usar tinta nacional, mas pelo menos o branco tem que ser importado. Tô começando a entender o por quê...

Só falei de algumas empresas que fazem tinta da melhor qualidade, mas existem muitas outras.

Produtos nacionais são bons, mas nem tanto e tem um bom preço.

Guache é uma tinta a base d'água, assim como a aquarela, e tem um grande poder de cobertura graças a sua opacidade. É bem prazerosa de utilizar e existem alguns estojos para estudantes (importados, porém acessíveis), se tiveres um troquinho sobrando vale o investimento pela versatilidade da tinta.

Espaço - Space

2010-04-09T23:11:00.005-03:00

Espaço I - Gouache - 20x14,5cm - 1996

Espaço: A Fronteira Final! Já rezava uma lenda Vulcana. Cenas de espaço são sempre legais, houve uma época que aquela senhora amiga do tio Sam, a dona Nasa, ao fazer seus projetos utilizava ilustradores - e ela ainda os utiliza, calma que chego lá - naturalmente utilizava uns caras muito do macanudo, caubóis das tintas, mascavam fumo e não morriam de câncer, to falando de cara durão mesmo.

Hoje, claro, a Nasa ainda usa ilustradores, tão bons quanto os antigos, a única diferença é que utilizam a ferramenta mais potente desde da invenção da tinta a óleo: o software gráfico, com seus recursos virtualmente ilimitados.

Em 1996 eu usava exclusivamente guache, por três motivos:

1 - Usá-la como se fosse aquarela;

2 - Usá-la como se fosse guache mesmo e;

3 - Por questões econômicas.

Imagine comprar 5 cores de guache + 5 cores de aquarela e assim por diante? A brincadeira ficaria cara. Se o artisan ainda não entender muito sobre cores e vai na onda do vendedor acaba levando todas as centenas de cores disponíveis e indo a bancarrota por isso. Ocorre-me agora de comentar sobre paleta de cores básicas para inciantes. Fica para uma próxima postagem.

Esse trabalho foi feito com guache sobre papel branco. O papel foi pintado de preto e depois veio a fase da galáxia e as estrelas em torno dela. Nessa época ainda assinava com meu primeiro nome. Hoje assino com primeiro, nome do meio e último nome. :)

Olhando agora dá até saudade dessa mídia e sim, tem uns caras por aí que ainda usam e mandam bem pra caramba, como os caras da Nasa.

A propósito, as estrelas foram a parte mais fácil de fazer da pintura :)

Experimento de cor - Color Experiment

2010-04-03T22:26:00.004-03:00

Há algum tempo quis demonstrar para meu jovem filho como as cores se formam. Nada melhor do que elas mesmo realizarem o trabalho diante de seus lindos olhos sedentos de conhecimento.

Naturalmente uma breve explicação sobre teoria de cores antecedeu a demonstração desse experimento científico. Veio a parte divertida: pintar. Enquanto pintava o pião ele aguardava ansiosamente para ver a mágica acontecer diante de deus olhos.

Como podem ver na foto abaixo, o pião foi pintado com cores primárias (afim de demonstrar cores secundárias quando em ação. Se não sabe o que é cor primária, não entre em pânico, explicarei numa próxima postagem). Vermelho e amarelo (devem apresentar o laranja), amarelo e azul (devem apresentar o verde) e azul e vermelho (devem apresentar o lilás).

Acho que agora entendo a expressão "pião pra toda a obra". O coitado se lascou de tanto bater nas paredes do condomínio, como pode ser visto na foto abaixo nas mãos do meu sagaz assistente.

Agora a teoria posta em prática. Na parte de cima do pião, misteriosamente as cores não se misturaram como eu previa. Fiquei queimando neurônio para tentar entender o por quê. O que dá pra perceber na foto abaixo é, da parte de cima do pião para baixo: Lilás, aqui a mistura funcionou perfeitamente e é até fácil entender, usei azul ultramar e o crimson (desculpe, quando eu escrevo crimson leia vermelho :-) ). Azul ultramar tem por si um tom lilás ao seu fundo. Percebe-se isso bem de onde a luz incide, à direita. Na parte central o amarelo e o azul formaram apenas um tom imperceptível de verde, meu erro aqui foi pintar as duas metades do pião com a a mesma quantidade de tinta. Acabei misturando luz e pigmento, física e química, sem o devido conhecimento. Eu deveria ter feito a parte azul maior e deixado menos espaço para o amarelo(ou seria o contrário...). Não previ isso. Na parte inferior do pião o crimson(digo, vermelho) e o amarelo fizeram um tom laranja igualmente tímido, ainda assim melhor que o verde. Ajustei as fotos um pouco no brilho e contraste afim de demonstrar as cores da melhor forma, sem alterar cor para favorecimento da teoria.

É difícil ver as crianças brincando com esse tipo de brinquedo hoje em dia, então um estímulo de curiosidade desses vem bem a calhar.

Wolverine - Última página - Last Page

2010-03-28T20:58:00.003-03:00

Wolverine - pg3 - Grafite - A3 - 2008

          Finalmente a última página de teste. Acho que deu pra perceber que gosto do estilo mais clássico de hq. Esse tipo de trabalho prefiro deixar no lápis mesmo.
          Meu lápis nunca foi muito detalhado, isso por que eu geralmente desenho e pinto, normalmente resolvo o volume no pincel mesmo, mas dessa vez resolvi levar o trabalho no lápis a um passo além do que estou acostumado. Em termos de mercado isso é uma boa para ajudar a orientar o arte finalista: ele ganha tempo com isso sem ter que adivinhar para onde foi aquela linha que define uma parede ou membro do personagem.
          Na última postagem disse que comentaria sobre o material. Lá vai:
          Para desenvolver as três páginas-teste usei um papel sulfite comum tamanho a3 que tem a superfície bem lisa. Como o papel está guardado nesses 17 meses desde que os fiz, ele permanece branco. Possivelmente amarele já que não é um papel de alta qualidade.
          Usei a fiel lapiseira Pentel ponto cinco com grafite B. As hachuras do sombreado também foram feitas com essa lapiseira e isso cansa o braço mesmo. Régua comum para os requadros (que são os quadrinhos propriamente ditos) e para um pouco de perspectiva.
          Claro que pode ser qualquer material para executar esse trabalho. Eu particularmente gosto do grafite B e do 2B, são mais macios e por isso mesmo suja um pouco. Tem gente que gosta de grafites mais duros. O trabalho pode ser feito com lápis também. Ultimamente tenho preferido lápis pois seu peso é imbatível, nesse caso um grafite mais duro ajuda a manter a ponta por mais tempo sem desgaste.
          Infelizmente não dá para perceber todos os detalhes do original pelo tamanho da imagem e a compressão do arquivo para ficar com um tamanho razoável na net e não prejudicar quem tem uma conexão discada.
          De todas as poucas páginas que fiz, essas considero as melhores por vários fatores. Assim que der posto as mais antigas. Mas chega de preto e branco. As próximas postagens serão coloridas.

Wolverine - Página 2 - Page 2

2010-03-27T21:59:00.006-03:00

Wolverine - pg2 - Grafite - A3 - 2008

Não obstante parto para a complicada página 2. Complicada pois tem muitos elementos, sem falar na chata parede de tijolos. Parece até tortura desenhar tanto tijolinho. No primeiro quadro andarilhos lá embaixo buscando a origem do barulho. No segundo quadro, o maior e certamente o foco da página é possível ver através do susto do pessoal do escritório os caras caindo sem medo de nada.

Nos últimos um plano médio dos nossos queridos personagens, prontos para o derradeiro duelo.

Estou olhando aqui e esse teste tem apenas três páginas, portanto a próxima postagem será o encerramento desse trabalho. Comentarei um pouco sobre os materiais utilizados.

Depois disso começarei outra série de postagens sobre colorização para quadrinhos.

Aproveito para dizer que por motivos pessoais não estou conseguindo postar mais de uma vez por semana como era minha ideia no começo do blogue. Quando tiver oportunidade posto com mais frequência.

Wolverine - Página1 - Page1

2010-03-20T22:49:00.007-03:00

Wolverine - pg1 - Grafite - A3 - 2008

          Bah...escrevi pra caramba no tópico anterior, mas prometo que isso nunca mais vai se repetir. :)
         Depois da frustrada primeira página que não me deixou muito feliz por vários motivos parti para o refazimento dela, tentando corrigir as (muitas) falhas da versão anterior.
         Abro aqui um breve adendo: Quando uso o termo falha não me refiro necessariamente a erros de anatomia ou perspectiva e sim a erros de narrativa visual. Para a historia em quadrinhos a narrativa é tão importante quanto um belo desenho.
          A nova página apresenta uma narrativa melhorada onde o olhar segue um caminho só, o quadro do meio (acho que no teste isso é uma página dupla, o que complica alguns fatores desenhísticos) é uma continuação do primeiro quadro dando uma dinâmica interessante à pagina. O último quadro mostra, já num ângulo novo, eles caindo e a rua ao fundo.
          Infelizmente não dá para perceber os detalhes pela qualidade do escaneamento. Gosto desse uniforme do Wolvie e das garras em forma de lâminas. Quando a gente é criança cueca sobre a calça parece uma coisa legal.
          Depois de adulto nem tanto...

Wolverine - Primeira Tentativa - First Trial

2010-03-14T19:52:00.007-03:00

Wolverine pg 1 - Grafite - A3 - 2008

          Há dois anos peguei um teste oficial, que está disponível nos bons sites do ramo, do personagem Wolverine. Esses testes oficiais normalmente tem um número mínimo de páginas afim de testar a narrativa visual do artista que se candidata a vaga de artista de quadrinhos. É como um roteiro ou um livro onde o artista atráves da descrição do escritor precisa representar graficamente o que lê de forma convincente.
          Faz um tempão que não leio quadrinhos mas ainda lembro e gosto de alguns personagens como Conan e Wolverine.
          Para começar fiz um esboço rápido da página de acordo com o texto proposto (ou pelo menos tentei fazer).
          O segundo passo é ir para a página propriamente dita. Numa folha A3 o esboço é recriado e começa o processo de detalhamento e finalização, sempre respeitando alguns princípios básicos das histórias em quadrinhos como a narrativa visual, o espaçamento do texto e a orientação da leitura.
          Normalmente, pela produção em escala industrial do mercado americano o desenhista de uma história em quadrinhos leva em torno de 8 à 12 horas de trabalho diário para concluir uma página, podendo levar mais tempo se a complexidade das cenas assim o exigir. A revista tem em torno de 22 páginas ilustradas, ou seja, para produzir uma revista normal de super heróis é necessário um mês de trabalho árduo.
No mercado europeu as histórias são publicadas de forma diferente. Produzidas de forma um pouco diferenciado, normalmente em edições fechadas de 50 ou mais páginas e são lançadas por ano. Uma página pode consumir até uma semana para ser produzida (lembrando que estou falando apenas sobre a parte do desenhista, não estou aqui considerando escritor, colorista, artefinalista ou letreiramento), a atenção aos detalhes são ainda maiores, assim como o acabamento e o preço final das edições. O escopo da história é bem diferente do mercado americano. Aliás cada continente tem sua forma de produzir a nona arte.
          O mercado brasileiro mais consome do que produz, aliás, produz muito, mas como mão-de-obra terceirizada para as editoras estrangeiras. O mercado internacional adora a qualidade do trabalho nacional. Os artistas produzem para o mercado internacional e acabam consumindo indiretamente quando as histórias, após lançadas em seus países de origem, chegam aqui pelas editoras nacionais de quadrinhos ou por importação.
          Mas voltando ao assunto do teste. Peguei a página 1, acabei por olhar o teste de outros artistas sobre as mesmas páginas, para ver como eles resolveram determinadas situações e cheguei a conclusão que essa página estava fraca. Faltavam elementos e achei melhor apenas concluir os personagens. Tive bastante cuidado na anatomia e na diferença de tamanho dos personagens, tive que pesquisar o outro personagem que não conhecia.
          A próxima postagem será da página um refeita inteiramente.

Tiazona - Aunty

2010-03-07T21:42:00.005-03:00

Tiazona - Aquarela - A5 - 2010

Pessoas normais dão ótimas caricaturas. Essa senhora estava na minha pesquisa de imagens e acabou por se tornar mais um trabalho interessante. Ainda tentando cores mais ousadas. Levemente ajustado no computador para corrigir alguns tons e contraste.

BloodRayne

2010-02-28T21:42:00.006-03:00

BloodRayne - Grafite - A4 - 2008

Ainda estudando sobre hq alguém citou uma tal de Blood Rayne. Não sei nada sobre a personagem. Achei umas imagens e vi que de fato é personagem de hq e tinha vídeo game.

Acabei fazendo essa ilustra em que eu figuro de forma peculiar.

Afinal estou elegante!

E podre.

Frazetta

2010-02-28T20:37:00.006-03:00

Frazetta - Digital - 2006

Nascido em 28 de Fevereiro de 1928 o Ícone está de aniversário.

Há uns 15 anos conheci seu trabalho e o achava genial. Passei a gostar de ilustração desde então. Descobri que ilustração e belas artes estão intrinsicamente relacionadas.

Dono de um traço peculiar e uma paleta vibrante criou imagens importantes como o visual moderno do Conan tal e qual descrito por Howard, o que não agradou os editores da época, que o queriam mais "bonito". Ilustrou capas do Robert E. Howard, algumas para Tarzan do ERB, John Carter também do ERB que deve virar filme em breve. Quadrinhos de guerra, cartazes de cinema como Um Drink no Inferno, embora a imagem no final fosse trocada por uma foto montagem. Algumas ilustrações do Senhor dos Anéis , capas de livros e discos.

Já no meio do século XX um artista preocupado com os direitos autorais, geralmente licenciava a imagem ilustrada para uma única impressão, como por exemplo uma capa de livro. Se o editor quisesse a segunda edição com a mesma capa deveria pagar novamente, afinal ilustração se cobre pelo uso. O que hoje é padrão de mercado em todo o mundo.

Artista amplamente imitado e copiado

Se não conhece o cara vale a pena procurar pelo seu nome na Internet: Frank Frazetta

Fiz o esboço rápido dele em 2006 baseado numa foto dum livro que tenho dele.

Indy Brasil

2010-02-21T11:49:00.007-03:00

Emerson - Grafite - A5 - 2010

Nesse prolongado feriado aproveitei para fazer uns rabiscos.

Aqui mostro um que estava tentando fazer do Emerson Fittipaldi. Eu o vi na tv semana passada e lembrei que ele é uma figura bastante caritcaturável. O que ele tem de carismático, tem de caricaturável. Não achei boas fotos de referência dele.

Mesmo assim não foi nada fácil sair algo decente.

Spider Wars

2010-02-16T20:14:00.007-02:00

Spider Wars - Grafite - A3 - 2007

Há muito tempo numa galáxia bem conhecida...

Uma proposta do curso de HQ era fazer um crossover de dois motivos que gostássemos. No meu caso Star Wars, já sabido, e aproveitei para misturar o Homem Aranha que era o filme legal da época . Saiu isso daqui

Quando Luke SpiderWalker é mordido por um sabre de luz radioativo que tem oito patas...bem, é algo mais ou menos assim...

Fiz no estilo animated da DC. Que mistura...

Percebe-se a prótese no lugar da mão direita do nosso herói, sabre de luz, a aranha do peito faz alusão ao símbolo do esquadrão Vermelho do Luke. A princesa Léia é a mistura da Léia com a Padmé. Naves diversas de ambas trilogias.

Lord Vader, dispensa mistura, até porque o cara é o maior Frankenstein da história do cinema. Tem mais ator atuando nele que ator interpretando o 007. Como sempre, aborrecido, tentando impor sua política através do medo e seu brinquedinho letal: A Estrela da Morte.

Participação especial do Cartuman, que nessa época encontrava-se banido no contínuo espaço tempo por algum vilão que não lembro o nome, mas lembro de ter discutido alguma coisa desse tipo com o criador do personagem e colega de curso, o Paulo.

William Russel Flint - Como matar um Minotauro - How to slay a Minotaur

2010-02-09T22:21:00.008-02:00

Sem piedade.

Admito: Kratos é um cara phodão. Desde Clint "Dirty Harry" Eastwood e Charles "Paul Kersey" Bronson não se via um cara tão macanudo. É bem verdade que apareceram alguns candidatos, ora delicados demais, ora piedosos demais, mas colhudos mesmo só esses que eu me lembre.

Eis que matar demônios mitológicos não é uma coisa lá muito fácil. Fazê-lo com requintes de crueldade então, torna a tarefa por si só, parte da mitologia. Digno do Clint e do Charles. Eles se orgulhariam. Tenho certeza que Kratos viu todos os filmes deles equanto comia seus cereais matutinos.

Os caras da Sony, suponho eu, devem ter feito uma bela pesquisa sobre a mitologia, e possivelmente depararam-se com um inglês com título da realeza: Sir William Russel Flint, o cara tem até seu próprio site. Se Kratos é phodão com suas lâminas; Sir Flint o é com pincel e aquarela.

Num outro site que gosto muito deparei-me com várias ilustrações dele (veja aqui).Embora as imagens não são tão boas, dá pra se ter uma idéia do naipe do elemento.

Certamente, inspirado no seu belo trabalho, os caras recriaram a cena do minotauro no videogame. Vamos agradecer a visão de um artista!

Let the Rage of Titans fuel your Blades Kratos!!!

Magrão - Slim

2010-02-05T22:45:00.009-02:00

Magrão - Aquarela - A5 - 2010

Mais uma caricatura que estava fazendo por esses dias. Estou tentando melhorar minhas cores. O termo melhorar naturalmente é relativo e nesse caso se refere ao aprimoramento, escolha e aplicação do pigmento. Cores mais vivas e brilhantes, naturalmente podem não agradar a todos, cores lavadas tampouco, ou vice-versa, isso porque a cor que eu vejo não é a mesma cor que tu vê. O fato é que quando falo melhorar é no sentido de corrigir velhas falhas e evitá-las no presente trabalho e no futuro. Estou me divertindo principalmente por causa da aplicação de cores mesmo. Aquarela é uma mídia que ainda me impressiona bastante.

Abaixo a folha que originou a caricatura.

Esposa - Wife

2010-02-02T20:07:00.010-02:00

Daisy - Óleo - A4 - 2010

Estava olhando algumas fotos de família e dentre tantas achei uma em especial da minha esposa onde ela estava nessa posição. A pose apenas serviu de referência para a pintura. Mudei alguns detalhes e ela ficou levemente diferente do que é. Mais com cara de ilustração do que de retrato devo acrescentar. Comecei com um desenho rápido do seu rosto numa folha comum A4, coisa rápida. Dá pra ver aqui embaixo ele escaneado. Está mais forte por que transferi para a folha final com auxílio de papel carbono. Percebe-se que a anatomia não ficou lá essas coisas, mas tudo bem. Ainda tem a pintura!

Logo abaixo fiz uma montagem da linha escaneada do esboço e da pintura final. Correções foram feitas durante o processo da pintura. Arrumei a mão também que estava muito grande.

Abaixo um detalhe da pintura em seu tamanho próximo do real. A textura ficou por conta do papel preparado. Como citei lá em cima, mais com cara de ilustração do que retrato mesmo. Particularmente aprecio a textura do suporte, embora a pintura esteja com pinceladas sem muita textura, exceto pelo fundo ,mas não dá pra perceber na imagem escaneada.

Minha esposa não aguentava mais esperar. Ela queria se ver na internet.

A espera acabou. Ei-la na rede intergalática de computadores.

Aqui incluo um par de fotos do progresso da pintura no meu novo local de trabalho.

Zilda

2010-01-27T22:36:00.006-02:00

Zilda - Aquarela - A5 - 2010

Prometi a mim mesmo que não traria obituários ao blogue, contudo, eventualmente, vou precisar fazer algumas concessões.

Estava vendo o jornal online e deparei-me com a notícia da perda de Zilda Arns. Ao ler o subtítulo, percebi que havia ocorrido um terremoto no Haiti.

E lá se vão duas semanas.

E duzentas mil pessoas mortas (foi o que li no jornal local essa semana).

Como brasileiros não temos ideia do que é um terremoto, ainda mais daquela magnitude. Lendo o blogue do artista Frank Ordaz ele dá seu depoimento sobre a terrível sensação de ter o solo se movendo sob seus pés. Quem manjar um pouco de inglês pode dar uma procurada por ele.

Sem dúvida Zilda Arns era uma pessoa muito especial e que , numa sociedade individualista, se preocupava com o próximo. Seu trabalho é da maior relevância social e sua contribuição é indiscutível. Sua falta será sentida. Seu legado continua.

Estava pensando nela e como ando estudando bastante caricatura, resolvi fazer esse trabalho.

Caricatura II - Caricature II

2010-01-23T22:17:00.008-02:00

Caricatura Casal - Aquarela - A3 - 2010

Nos primeiros dias do ano, aproximadamente uma semana depois do pedido do Erik veio o pedido de um amigo dele, o Douglas: Caricatura de presente para sua Namorada.

Esse também foi feito num prazo apertado. Foi bastante difícil, pois como comentei com a minha esposa os dois se encaixam adequadamente nos padrões acadêmicos de beleza e não tem nenhum aparente detalhe para exagerar.

Recebi diversas fotos, o Douglas com o cabelo um pouco mais comprido, mas ele solicitou que eu o retratasse com os cabelos curtos.

          Fiz um esboço incial e depois procedi para o trabalho final. Gostei bastante da cor da pele que criei para eles, mas na imagem escaneada ela ficou muito amarelada. Tentei ajustar para ficar parecido com o original para poder postar, contudo a cor do cabelo ficou avermelhada, mas na verdade o cabelo deles é castanho. Sua namorada tem a pele mais morena e o cabelo mais escuro. Devido ao contraste do ajuste do meu fiel escudeiro, as manchas características da aquarela ficaram bem exaltadas.
          Novamente utilizei aquarela. Aquarela é uma boa mídia para esse tipo de trabalho.
          Desde então andei pesquisando caricaturistas e fazendo alguns estudos que postarei em breve. Tive e estou tendo grandes momentos desenhando e pintando esses trabalhos
          Dessa vez usei o bom e velho Canson 200.Linda textura!
          Na postagem da caricatura do Erik, eu estou segurando um pincel de pelo de castor . Ele tem um tufão de pelo e faz uma ponta super fininha, adequado para grandes aguadas e detalhes precisos. Excelente e caro bagarai!!! Nessa do Douglas usei também o tradicional de pelo de marta e até um pincel de sumi-e grande. Muito bom!
Espero que vocês aí do outro lado gostem desse trabalho também.

O maior pintor que jamais se ouviu falar - The greatest painter ever known

2010-01-17T23:16:00.008-02:00

Tenho certeza que tu conheces esse artista, alias todo mundo conhece, mas ninguém sabe quem ele é. Assistindo a um filme, lembrei de comentar esse cara aqui. Sempre que assistimos um filme na tv, ou em dvd lá está ele nos presenteando com seu belo trabalho. E não é só, o cara também ilustra pra revista Time (revista tipo a Veja lá nos Estêitz), cartazes para filme de cinema, capas de livro e um monte de coisa legal!

O nome dele é Deas (não é o Degas não!), Michael Deas, e o cara manda muito bem. Nada mal pra quem os professores de pintura disseram que não teria futuro no ramo! Se clicou no link já sabe quem é o cara! Viu só? Eu falei que tu sabias quem era o cara. E para matar a curiosidade, o nome da moça posou pra ele é Jenny Joseph.

Visitem o site do cara que vale a pena ver seu trabalho de alto nível!

Orion dos Novos Deuses - Orion from New Gods

2010-01-14T21:31:00.014-02:00

Orion - Grafite - A3 - 2008

Eu gosto de história em quadrinhos. Todos os tipos (não é verdade...de preferência bem escrita e bem desenhada), embora não tenha comprado com a frequência que gostaria, pois meu escopo está se afunilando cada vez mais. Já faz vários anos que, quando compro, prefiro edições fechadas (mais caras), mas recentemente tenho comprado apenas livros de arte e essas coisas chatas e técnicas que ninguém entende direito o que é ou para que serve, citando verdadeiros palavrões como "tento (não, não tem nada a ver com a genitália masculina)"," seção áurea" (não, não tem nada a ver com a genitália feminina) e outras esquisitices que nem o mais fervoroso vestibulando teria interesse de saber o que é.

Há muitos anos foi republicado uma coletânea (uma prática que tem surgido aqui também há alguns poucos anos e eu particularmente acho muito legal) das histórias em quadrinhos chamado New Gods, criado, escrito e desenhado por nada mais nada menos que Jack "The King" Kirby (outra hora falo desse cara, mas para conhece-lo mais vale a pena visitar seu museu. Uma história de super heróis diferente e muito legal. Nela o Herói Orion defende seu mundo e o nosso dos caras maus, ninguém menos que Darkseid (Google pra que te quero, caso queria saber mais a respeito), mas antes de chegar no chefão o cara sofre. Tem que lutar com o leão de chácara do chefão, e mesmo sofrendo mais que o próprio John McClane , ele vence.

Ainda não consegui comprar o brinquedo do Orion, ou na linguagem local dos humanos (O' Ryan - que é como Orion é pronunciado em inglês, mas eu falo Órion mesmo).

Esse foi feito há dois anos e retrata Orion dando uma coça no poderoso Kalibak.

Feliz Aniversário - Happy Anniversary

2010-01-10T20:13:00.007-02:00

Feliz Aniversário - Digital - 15,59x13,67cm - 2010

Em 2010 o Fórum Central de Quadrinhos comemora 10 anos.

Pra quem não conhece é um forum que fala sobre quadrinhos, ilustração, técnicas diversas, mercado, direito do artista e muita coisa legal.

Criado em 1999 por PC Arashiro ele se tornou o maior e melhor fórum do assunto com milhares de usuários no Brasil e exterior, certamente o maior fórum do tipo de língua Portuguesa no mundo.

Foi amplamente copiado. O que faz da Central o que ela é, não é um domínio ou um programa de fórum, e sim as pessoas que dedicam seu tempo e seu amor a arte a fazer com que ela melhore a cada dia.

Nesses dez anos, sete dos quais participo e ajudo a moderar - não tanto como antes, é verdade, muita coisa legal aconteceu. E muita coisa legal vai continuar a acontecer, podem contar com isso!

Se tu gosta de desenhar e não sabe onde mostrar seu trabalho, e melhor ainda, melhorá-lo, de uma passadinha lá, será muito bem recebido. Talvez nos encontremos lá.

Central de Quadrinhos.com

Caricatura - Caricature

2010-01-07T22:13:00.013-02:00

Caricatura Casal - Aquarela - A3 - 2009

Poucos dias antes do natal de 2009 o amigo Erik solicitou uma encomenda: Uma caricatura para presentear sua amada.

Tarefa árdua. Um retrato já é complicado; uma caricatura mais ainda.

Tem que distorcer, exagerar, carregar nas características da pessoa sem fazer com que a semelhança seja perdida.

Prazo mais que apertado. "Humanamente inumano" de produzir alguma coisa com a qualidade em tão pouco tempo, sem falar que tinha que colorir. Optei por aquarela, uma das minhas mídias favoritas.

Como não sou nenhum Ricci, Baptistão, Cárcamo ou mesmo um Sebastian Kruger , tive que fazer o melhor que podia.

Fiz um rápido esboço em a4 para determinar o que eu queria. Bem riscado e livre. Depois disso, foi desenhar em tamanho maior no papel final e então colorir. Usei a mesma folha para testar algumas cores que preparava a medida que ia pintando.

E logo abaixo o Mestre em ação :). Digo...Senhor Alcode cumprindo com seu dever desenhistico. Numa foto gentilmente tirada pela Senhora Alcode. Enquanto isso meu assistente-mor, o Alcodinho, estava brincando e dando palpites como faz costumeiramente.

Essa, possivelmente, é a última foto da minha velha e já saudosa mesa de desenho que juntava toda aquela parafernália artística, pó, livros, e afins e que agora está muito bem organizada em gavetas de mogno (pelo menos tem cor de mogno) na minha nova área de trabalho.

Atualizado: Conforme comentário do Erik posto uma das fotos que serviu de referência para a caricatura. Interessados podem enviar pedidos de caricatura para o email do perfil :)

Feliz 2010 - Happy 2010

2010-01-03T23:00:00.008-02:00

Kratos - Grafite - A4 - 2010

          Nesse novo ano que se inicia cheio de comilança, reflexão e tempo livre, nada melhor do que aliviar o stress do ano velho fazendo o que mais se gosta nos primeiros dias do ano novo.
         Depois de protelar incessantes pedidos resolvi (novamente) desenhar o Kratos (novamente). Engraçado como as crianças sabem procurar o que desejam na Internet. Dessa vez uma imagem do jogo, para o console PlayStation 3, Deus da Guerra III.
          Aproveitei para trabalhar bastante com hachuras com o impressionante lápis Koh-I-Noor (ou lápis Cocoricó, como afirma meu irmão).
           Impressionante por que é caro pra burro, e talvez cause um efeito psicológico me fazendo achar que o lápis é muito bom. De fato o lápis é muito gostoso de trabalhar, o grafite é perfeitamente homogêneo e esfarela da mesma forma sobre qualquer papel, valorizando sua textura.
          Sempre vou achar engraçado uma imagem escaneada num monitor widescreen. Fica tudo meio espichadão...
           Como resolução de ano novo espero poder pintar mais, desenhar mais, ilustrar mais, comprar mais livros (minha esposa que não leia isso) e abrir uns buracos na parede. :)
           Por falar em esposa, agradeço a ela o presente que me deu, juntamente com minha sogra: Um novo móvel para substituir minha velha mesa de desenho. As coisas ficaram mais organizadas, bonitas e funcionais. Seu único delito foi botar todos os pincéis num único recipiente, misturou pincéis de óleo com acrílico e com aquarela. Só consigo diferenciar os pincéis de aquarela do resto, mas não tem problema. Também estou jurado de morte caso eu manche o novo móvel de tinta, essa é a parte difícil...
          Creio que deveria ter postado uma imagem de uma pomba ou um bebê como fazia o Leyendecker para celebrar o ano novo, como não tinha nada nesse sentido...

Feliz Natal - Merry Christmas

2009-12-25T16:51:00.021-02:00

Haddon Sundblom - Ilustrador

          Não se pode falar em Natal sem falar, também, de Papai Noel. Logo vem a imagem daquele gorducho simpático de barba branca, bochechas rosadas e roupa vermelha. Mas nem sempre foi assim.
          Um dos primeiros artistas a quem é reconhecida a criação da imagem que viria tornar o Papai Noel tão popular foi um carinha chamado Thomas Nast. Até então o Papai Noel era tido com uma criatura élfica que usava roupas coloridas; não exclusivamente vermelha, ora azul, verde e mesmo purpúreo. Isso antes da interpretação de Nast, no longínquo ano de 1863.
          A imagem definitiva do bom velhinho viria muitos anos depois, forjada por um cara baixinho e franzino chamado Joseph Christian Leyendecker, isso em 1912.
          A popularidade atual do bom velhino pode ser creditada pelo Ilustrador Haddon Hubbard Sundblom. Foi ele que, por solicitação da empresa The Coca-Cola Company e sua agência de publicidade, ajudou a dar vida em 1931 a uma nova campanha mais realista sobre o Papai Noel. Existia uma crença que coca cola só deveria ser bebida em tempo de calor e não em períodos que frio (lembrando que no hemisfério norte Dezembro é inverno), campanha essa iniciada em 1922. Naturalmente e empresa queria vender mais - e conseguiu. As obras de Sundblom fazem parte do acervo da Coca-Cola e viajaram o mundo em museus importantes como o Louvre.
          Muitos outros artistas também retrataram-no, como Nornam Rockwell, Newel Convers Wyeth, e mesmo artista nacionais como nosso querido Benício Praticamente todo o lustrador profissional carrega o legado desses artistas em seus ombros nessa época do ano.
          Sem dúvida esses artistas ajudaram a criar o mito do Papai Noel e sua contribuição para a cultura popular é de grande importância.
          Mas é claro que hoje não é o dia do Papai Noel. Hoje o dia é de um outro carinha que nasceu há 2009 anos. :)
          E feliz Natal!

Retrato III - Portrait III

2009-12-13T21:07:00.008-02:00

Estudo Retratos - Acrílica/Óleo - 29,5x21cm - 2007

Uma boa forma de estudar pintura e aprender mais sobre retratos, assim como qualquer outro tipo de pintura, é copiando. Copiar um trabalho existente tem suas vantagens.

No exemplo acima a cópia foi mais em relação as cores do que a anatomia. É mais fácil perceber que cores foram utilizadas originalmente do que tentar enxergar as cores e entender como elas interagem no modelo. Lembro de ter lido um artista comentando que as cores do rosto ficam entre 20 para mulheres e 30 para homens (barba e pelos fazem determinadas partes da pele ter uma coloração diferenciada). Qualquer copia vai ajudar a entender que decisão o artista tomou, como ele renderizou determinada parte, que tipos de pincéis e cores ele utilizou, que partes utilizou tinta transparente e que partes utilizou tinta opaca. O ideal é tentar copiar as cores e até mesmo a direção que foram dadas as pinceladas para que possa tirar proveito do estudo.

O estudo acima são de obras de artistas diferentes de um antigo livro de pintura.

Retrato II - Portrait II

2009-12-04T21:25:00.011-02:00

Lucas - Grafite - 15x21cm - 2009

Naturalmente um bom retrato depende diretamente de um bom desenho. Ao contrário de uma paisagem por exemplo, onde vários elementos podem ser ajustados, redimensionados, trocados de lugar e até mesmo de cor. Um retrato não pode. Cada elemento deve estar no seu devido lugar, com suas respectivas características e cores. Nem mais nem menos.

Uma outra coisa que considero importante é a escolha da pose do modelo. Normalmente as pessoas apresentam as fotos que consideram bonitas e que geralmente não são. Não. Não estou me referindo à beleza dos modelos (a beleza está no olhar do artista), mas a qualidade foto em si, com luz inadequada, ou em excesso, poses que nem sempre vão dar um belo retrato. Nessa hora seria interessante o solicitante confiar no artista e seguir suas recomendações para que o resultado seja o melhor possível.

Retratos são uma bela forma de presentar. Um retrato como o que ilustra esse tópico tem um valor bastante acessível e devidamente emoldurados se tornam uma bela forma de arte.